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  • 古い着物に新しいスタイルを

    [From December Issue 2010]

    Kimono Panel Artist
    Crystal MOREY

    Originally from Dallas, Texas, USA, Crystal MOREY, who has been living in Tokyo for the past 13 years, only began creating her kimono-art in 2001.

    “I feel that kimonos should be displayed, so I started piecing them into panels,” she says. “In Japan, kimonos are no longer worn very often, and the more beautiful silks are only brought out on special occasions – the rest of the time they just sit in closets,” laments this part-time artist and full-time owner/operator of a small Japanese publishing company focusing on Japanese-inspired tattoo art and design books.

    Morey collected kimono and wanted to display them so that others could appreciate the skill and craftsmanship involved in their design. “I wanted to find a way to bring them into the public eye, without sacrificing the enormous wall space that hanging an entire kimono requires,” she explains.

    For her panels she uses more than just kimonos. In fact, Morey regularly scours Tokyo’s vintage clothing stores, while also making special trips to Kyoto, in search of silk, wool, rayon, antique furoshiki (traditional Japanese wrapping cloth used to transport clothes, gifts, or other goods) and tenugui (a thin Japanese hand towel made of cotton). She says that the process, while seemingly simple, does take some practice, skill, and a good eye.

    “The most difficult task is piecing the fabric together – the colors must compliment one another and so must the patterns. Cheaper materials stretch and their colors become compromised. Embroidered materials look amazing but are really difficult to work with because they mess up my straight lines. Slippery silk can also be a nightmare! Each piece is really like a huge puzzle, but once solved, the construction part is easy,” she confides.

    Depending on the labor and materials involved each art-panel takes roughly two weeks to complete, and retails for between 10,000 yen and 50,000 yen. Commissioned pieces, her favorite projects, cost more because of the specificity of the request. But these days, she is so busy that there is a six month waiting list for her work.

    So how do traditional Japanese people feel about her kimono panels? “I honestly wasn’t sure how they would respond. Kimonos are an art form in and of themselves and I wasn’t sure if they would appreciate me cutting them up! But I showed my work at Design Festa in 2008, and their uniqueness was well received. I got loads of positive feedback,” she beams, adding that at that time a gallery in Chiba bought one for display, while a Kyoto-based interior design company contacted her about selling them as well. Now, Morey holds exhibitions in and around Tokyo, across Japan, and as far away as Australia, the USA and Europe.

    Crystal MOREY
    Photos: Seishiro Jay TOMIOKA

    Text: Stephen LEBOVITS

    [2010年12月号掲載記事]

    キモノ・パネルアーティスト
    クリスタル・モリーさん

    アメリカ・テキサス州ダラス出身のクリスタル・モリーさんは、13年前から東京に暮らしています。2001年から着物アートの創作を始めました。

    「着物はもっと人の目にふれるべきだと思います。それで、着物をパネルにつぎはぎをしてみました」とモリーさんは話します。「日本では、着物はあまり着られません。すごくきれいな絹物なのに、たんすから出されるのは特別な機会だけで、後はしまわれたままなのです」と嘆きます。モリーさんはアーティストは副業で、本業は日本的なタトゥー・アートとデザインの本に特化した小さな出版社のオーナーであり、オペレーターです。

    モリーさんは着物を集め、そのデザインに使われている技術や技巧を人々が楽しめるような展示をしたいと思いました。「着物全体をつるすのに必要な広い壁を使わずに世間の目にふれさせる方法を見つけたいと思いました」と説明します。

    パネルには着物以外の物も使います。実際、定期的に東京の古着店を探して回ったり、わざわざ京都まで行って、絹、ウール、レーヨン、アンティークの風呂敷(衣服や贈り物など品物を持ち運ぶときに使われる伝統的な日本の布)や手ぬぐい(薄い綿で作られた日本のハンドタオル)を探したりもします。モリーさんは一見簡単そうな工程にも経験や技術、見る目が必要だと言います。

    「最も難しい作業は織物をつぎはぎする部分です。色は互いに引き立て合わなければならないですし、柄もそうです。生地は安いほど伸びますし色も変わります。刺しゅうした生地は、見た目は素晴らしいですが、作業するのは本当に難しいです。だって私の引きたい直線の通りになりませんからね。つるつるした絹は最悪です! 布の一枚一枚がまさに大きなパズルのようですが、一旦パズルが解ければ、組み立て作業は簡単です」と明かします。

    手間がかかるうえ、材料も選ぶので、アート・パネル1枚につき、完成までおよそ2週間かかり、小売り価格は1~5万円になります。特注品はモリーさんの好きな仕事ですが、特別な注文内容のためもっと高額になります。しかしこのごろは、とても忙しいために6ヵ月待ちになっています。

    ところで、伝統を重んじる日本人は着物パネルについてどう感じているのでしょうか。「正直言ってどんな反応があるかわかりませんでした。着物は日本の、日本人自身の芸術的な姿で、私が切り刻んだものが受け入れられるかどうかわからなかったんです。でも2008年のデザイン・フェスタに作品を出したら、そのユニークさが受け入れられました。たくさんの肯定的な反響がありました」とモリーさんはほほえみます。と同時に、千葉の画廊が展示用に1点買い上げ、また、京都を拠点とするインテリア・デザイン会社が買いたいと連絡してきたと付け加えました。今では、彼女は東京、日本全国、そして遠くはオーストラリア、アメリカ、ヨーロッパで展覧会を開いています。

    クリスタル・モリー
    写真:セイシロウ・ジェイ・トミオカ

    文:ステファン・リボビッツ

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  • ジャンルを超えて音楽の楽しさを伝えたい

    [From November Issue 2010]

    Traditional Japanese Musician
    HAMANE Yuka

    “Hogaku” is a particular type of traditional Japanese music. Koto, shamisen and shakuhachi are its core instruments. And, there are many hogaku schools offering to teach its various styles. The head of each school is called “iemoto” and they are usually succeeded by their children. Players are usually ranked according to the skills and the number of years they have been studying.

    Musician HAMANE Yuka is a member of the group “Seiha Hougaku-kai,” which plays the “Ikuta-ryu” school of hogaku, using the koto instrument. She is ranked as “dai-shihan,” just behind “iemoto.” She has played on the recordings of 11 CDs, including her own solo project and two of her group’s projects. In addition to being a musician, she teaches koto, shamisen and singing, and also judges contests.

    When she was eight years old, Hamane started learning koto at the behest of her father, shakuhachi player HAMANE Kanzan. “I remember one time when I was putting more of my efforts into my school subjects and my father said, ‘you should spend more time practicing the koto,’” Hamane recalls with a laugh. After graduating from high school, she entered the Seiha Ongakuin music school, where upon graduating she received the President’s Award. She also won first prize at a MAKINO Yutaka’s compositions contest and further passed auditions at NHK.

    However, times have changed since Hamane was a child. Now, fewer children are learning hogaku, and she does not have as many teaching jobs. She eventually started playing music anywhere she was offered a job, including in Japanese restaurants. “At those places, what they wanted was not my music but a woman wearing a kimono and playing a koto. Sometimes I was told to play while there was a different back ground music. After I got married and had a child, I had to keep the balance between bringing up my child and doing my work,” she explains.

    “However, I am happy about having been able to make my living with just music. Some of my friends were not able to carry on,” explains Hamane, adding, “Also, I feel I have been able to create humanistic and warm sounds because I have continued to accomplish two equally important things, my work and parenthood.”

    Nowadays, young Japanese people don’t listen to hogaku much anymore. Hamane thinks the problem lies with the performers. “They are too conservative. I have heard that, in one school, a member cannot start a new activity unless iemoto approves of it. There are also some teachers who are only interested in the traditional forms, without conveying the joy of all music,” she says.

    In 1998, Hamane and her friends formed the group, “T’s color.” The band consists of four hogaku musicians and one westerner. They add pop elements to hogaku and create their own lyrics and melodies. In 2003, she also opened a school for hogaku singing. “There is no system in Japan that teaches how to sing songs in Japanese. I thought there was a need, so I myself started the school to fill it.”

    Since the Meiji Era, only western music has been taught at schools in Japan, but nowadays hogaku is also being offered. “School music teachers now come to study hogaku, and inexpensive easy-to-use instruments are selling well. I want people to learn how to enjoy all kinds of music. So for that reason, I play music that transcends categorization.”

    HAMANE Yuka

    Photos for : HAMANO Yutaka

    Text: SAZAKI Ryo

    [2010年11月号掲載記事]

    邦楽の演奏者 浜根由香さん

    日本の伝統音楽に邦楽と呼ばれる音楽があります。主な楽器には琴や三味線、尺八などがあります。邦楽には多くの流派があり、演奏の方法などが違います。流派のトップの人は「家元」と呼ばれ、その地位はたいてい親から子どもへ受け継がれます。流派に属する人たちは演奏のうまさや、流派に入ってからの年数によってランク分けされています。

    浜根由香さんは生田流という琴の流派「正派邦楽会」に所属している演奏者です。ランクは大師範で、家元の次にあたります。これまでにCD11枚の録音に参加しました。そのうち1枚はソロ、2枚は自分のグループで出したCDです。演奏活動のほかに琴、三味線、歌を教え、コンクールの審査員もしています。

    浜根さんは8歳のとき、尺八の演奏者である父、浜根湲山さんに言われて琴を習い始めました。「学校の勉強をしていたら『それより琴の練習をしろ』と言われたことがあります」と浜根さんは笑います。高校卒業後は正派音楽院に入り、最高の総裁賞をとって卒業しました。牧野由多可作品コンクールでも第一位をとり、NHKのオーディションにも合格しました。

    しかし時代は、浜根さんが子どものころとは大きく変わっていました。邦楽を習う子どもが減って、先生としての仕事も少なくなっていました。浜根さんは和食のレストランなどでも演奏しました。「そういうところは私の音楽でなく、着物を着て琴を弾く女性がほしいだけでした。違う音楽がBGMとして流れる中で、演奏するよう言われたこともあります。結婚して子どもが生まれたあとは、子育てと仕事を両方しなければなりませんでした」。

    「でも、音楽だけで食べてこられた私は幸せです。仲間には、音楽を続けられなかった人もいますから」と浜根さんは話します。「それに仕事と子ども、どちらも大事なものをかかえてがんばった結果、人間的であたたかみのある音が出せるようになった気がします」。

    現在、日本の若い人はあまり邦楽を聞きません。浜根さんは邦楽を演奏する側にも問題はあると考えています。「保守的です。ある流派では家元が許可しないと新しい活動ができないそうです。教え方でも伝統的な形式ばかりを教えて、音楽の喜びを伝えていない先生がいます」。

    1998年、浜根さんは仲間といっしょにT’s colorというグループをつくりました。メンバーのうち4人は邦楽、1人は西洋音楽の演奏者です。邦楽にポップスなどをとり入れ、自分たちで作詞・作曲をしています。また2003年には邦楽の歌の教室も始めました。「今の日本には日本語の歌を教えるしくみがないのです。必要だと思ったので私が始めました」。

    日本の学校では明治時代以降、西洋の音楽ばかりを教えてきましたが、最近は邦楽も教えるようになりました。「学校の音楽の先生が邦楽を習いに来るようになりましたし、安くて扱いやすい楽器も売られるようになりました。私は皆さんに、音楽の楽しみを知ってほしいのです。そのためならジャンルを超えて、どんな音楽でも演奏しますよ」。

    浜根由香さん

    写真:浜野裕

    文:砂崎 良

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  • 愛される盆栽をつくりたい

    [From October Issue 2010]

    OSHIMA Megumi,
    Owner of Midoriya Nicogusa

    Bonsai (tray cultivation) is a type of cultivation that was born in China and brought to Japan during the Heian period (794 ~ 1192). With bonsai, you grow plants in containers of varying widths, usually measuring 30 or 50 centimeters (cm). At the bonsai shop Midoriya Nicogusa in Kichijoji, Tokyo, they mainly sell small-sized bonsai trees of about 15 cm in height and potted moss of about 5 cm in diameter.

    Shop owner OSHIMA Megumi enjoys answering customers’ questions about bonsai, while also teaching bonsai classes at various cultural centers. She is both a licensed color coordinator and interior decorator. Oshima even designed her shop’s Japanese-styled interior.

    “If you give it enough care, a bonsai will live for decades,” says Oshima. “It will continue to grow and its trunk will get thicker every year. Knowing that it will last, taking care of the tree becomes enjoyable. Even after many years, you will always find pleasure in it.” However, Oshima was not always a bonsai dealer. Initially she worked at an electrical appliance manufacturing company. “It was a stable but predictable job. And I kept wondering if I should continue doing it.”

    Then she encountered bonsai. “I was given a lovely bonsai from a friend but soon let it wither. The regret made me study why it happened and, in the process, I became fascinated with bonsai,” she recalls. Oshima went to bonsai classes and started to sell her own bonsai at flea markets. Before long, she was asked to sell bonsai at a department store. Although her bonsai continued to sell there, she was dissatisfied with some of the conditions and the care given to them. “It’s better to have regrets about something after trying, than not to try at all,” she says. Oshima then decided to open her own shop.

    However, in her shop’s first year, not much sold. “I thought it would be difficult to attract customers with only bonsai so I started the shop as a place to sell bonsai and other variety goods. The problem was that there were already so many variety shops in Kichijoji. Those goods didn’t sell at our shop, and the dead stock just kept accumulating.” But soon after she changed it into a bonsai specialty shop, her number of regular customers increased.

    Some bonsai trees are said to be more than 1,000 years old, with some costing more than 10 million yen. The bonsai sold at Nicogusa, however, only cost around several thousand yen each. “There are various ways of thinking about bonsai,” says Oshima. “Some people are conservative, while others do as they like in cultivating their bonsai. Some say that you should take the time to study proper bonsai technique. Others prefer to leave bonsai to professionals and just enjoy looking at them. There are even those who criticize bonsai as unnatural gardening that forces plants to grow in small flowerpots.”

    For Oshima, it is fine to have various ways of thinking. “I want people to enjoy bonsai more casually. A tree that seems lonely actually has living strength. Some trees endure nature’s severity yet grow quite large. I think the expression of nature’s power is what small-potted bonsai is all about.”

    Midoriya Nicogusa

    Text: SAZAKI Ryo

    [2010年10月号掲載記事]

    みどり屋 和草オーナー
    大島 恵さん

    盆栽は中国で生まれ、平安時代(794~1192年)に日本へ来た園芸です。通常は30~50センチの鉢の中で植物を育てます。東京・吉祥寺にある盆栽の店「みどり屋 和草」は、主に小さな盆栽を販売しています。高さ15センチほどの木や直径5センチほどの鉢に植えられた苔などです。

    オーナーは大島恵さんです。盆栽についての質問に答えたり、カルチャーセンターなどで盆栽のつくり方を教えたりもします。またカラーコーディネーター、インテリアコーディネーターの資格も持っています。店の日本風のインテリアは、すべて大島さんが考えました。

    「盆栽は大切に育てれば何十年も生きます」と大島さんは言います。「毎年、少しずつ幹が太くなって成長していきます。その様子を見ていると手をかけるのが楽しくなりますし、何年続けても飽きませんよ」。しかし大島さんは、最初から盆栽の仕事をしていたわけではありません。最初は家電メーカーで会社員をしていました。「安定しているけれど先の読める仕事でした。このままでいいのかなと思いました」。

    その頃、盆栽と出合いました。「友人からとても素敵な盆栽をもらったんです。でもすぐ枯れさせてしまい、くやしくて枯れた原因を調べているうちに盆栽に夢中になりました」と振り返ります。大島さんは盆栽教室に通ったり、自分でつくった盆栽をフリーマーケットで売り始めました。そのうちに、ある百貨店で盆栽を売らないかと誘われました。盆栽を預けて売ってもらいましたが、手入れのしかたなど大島さんには満足できない点がありました。「やらないで後悔するより、やって後悔する方がいい」。大島さんは自分の店を出すことに決めました。

    しかし和草を開店した年には、たくさんの売れ残りが出てしまいました。「盆栽だけではお客さんが来ないかもしれないと思い、盆栽と雑貨を売るお店として開店しました。でも吉祥寺に雑貨店はたくさんあります。雑貨は売れず、在庫がどんどんたまっていきました」。そこで盆栽だけのお店にしたところ、常連客(いつも来てくれるお客)が増えました。

    盆栽には、樹齢1000年と言われる古いものもありますし、数千万円する高価なものもあります。しかし和草の盆栽は数千円の盆栽が主流です。「盆栽に対する考え方はいろいろです」と大島さんは言います。「保守的な人もいますし自由につくる人もいます。時間をかけて盆栽づくりを学ぶべきだと考える人もいれば、手入れはプロの盆栽師にまかせて、見ることだけを楽しむ人もいます。無理に小さい鉢で育てる不自然な園芸だ、と批判する人もいます」。

    しかし、考え方はいろいろでいいと大島さんは考えています。「私は、もっと気軽に盆栽を楽しんでほしいと思っています。さびしく見える木も力強く生きています。きびしい自然のなかでも大きく育つ木もあります。小さな鉢の中でそんな自然の様子を表現しているのが盆栽だと思います」。

    みどり屋 和草

    文:砂崎 良

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  • 花と人を結ぶ花結い師

    [From September Issue 2010]

    TAKAYA, Hanayuishi

    Kyoto resident TAKAYA is a “hanayuishi,” one who decorates people’s hair uniquely with fresh flowers. Takaya invented the word himself to describe the concept of somebody who handles flowers like a stylist treats people’s hair. People who see his work are surprised at how many flowers he uses in his designs. His work has been reported on TV and in other media, bringing him much notoriety.

    TAKAYA was initially a licensed cook of French cuisine. When he was 24 years old he opened a cafe and started decorating the interior with flowers. That’s when he had the idea of creating floral hair styles. “I had a hobby taking photographs, and I imagined taking pictures of women whose hair was adorned with flowers, something I had communed with since my childhood,” he recalls.

    When TAKAYA was a cook, he was fond of food arrangement, a skill he acquired through training. However, his flower arranging was completely self-taught. “I don’t sketch designs. Each flower has its own face. Their conditions change by the moment. And, from the start, I considered speed as an important factor. During a bride’s wardrobe change at her wedding reception, I make it a rule to complete her hair design within five minutes so that it will not slow down the event.”

    For one hair style TAKAYA charges 50,000 yen. Many orders come from women who want to make their special occasion the most memorable day of their lives. TAKAYA charges 300,000 yen for two hair styles during a wedding ceremony. “Everyone has childhood memories of making flower rings with white clover. I would be glad if my decorating their hair brings back such memories,” he says.

    Although it seems like doing this type of work came easily, it was not always so. Because it was such a new art form – neither simple hair design, nor mere flower arranging – his work has sometimes been considered exceptional and other times received critiques concerning his techniques.

    “When I came up with the idea of “hanayui,” I had the image of a Paris Collection. Like producing a fashion show, I take into account the volume of the woman’s hair and face that I’m going to decorate with flowers in order to create a form that will wholly harmonize with her kimono or dress. Since I consider myself an artist, I get most satisfied with good results,” he says.

    TAKAYA’s skills, which accentuate a bride’s beauty, are garnering a lot of attention through his participation in designer KATSURA Yumi’s “Bridal Fair.” In spite of that, his intention now is to teach his staff so that they can eventually take over from him. “I’m aiming at an operation of bridal services that will be carried out by my staff independently. I’m now planning to offer classes to pass on my skills to the general public.”

    While his “hanayui” work is growing, TAKAYA is also conquering new challenges. “I’ve been actively engaged in performance art such as including “hanayui” in original, contemporary dance routines. I also have plans to collaborate with solo performers. I would further like to spread my work into magazines and advertisements too,” he adds.

    TAKAYA, Hanayuishi 

    Text: KAWARATANI Tokiko

    [2010年9月号掲載記事]

    花結師・TAKAYAさん

    京都市に住むTAKAYAさんは、髪に生花で独創的な飾りを作り上げる仕事をしている花結い師(髪を結うように花を扱う意味で、TAKAYAさんが考えた)です。TAKAYAさんの作品を目にした人は、たくさんの花が飾られたデザインに驚かされます。テレビなどメディアにも多く取り上げられ、注目を集めています。

    TAKAYAさんは、元々はフランス料理の調理師として働いていました。24歳でカフェをオープンして店内に花を飾り始めました。そのとき、現在の花結いのデザインがわき出てきたといいます。「趣味で撮っていた写真の被写体に、子どもの頃から親しんできた花を女性の髪に飾るイメージがふくらんだのです」。

    調理師のときは、修業で身につけた盛りつけが得意で好きでした。しかし花を飾るのは全て独学です。「最初にデザイン画を描いたりはしません。花にはそれぞれの顔がありますし、その時々で状態も違います。ただし、はじめからスピードにはこだわっていました。披露宴のお色直し(衣裳を変えること)の場合、進行のさまたげにならないようにしなければならないので、5分で仕上げられるようにしています」。

    料金は1スタイル5万円。一生の思い出にと、記念日に飾ってほしいという女性の依頼が多く、結婚式で2種類仕上げた場合は30万円です。「子どもの頃に誰もが白つめ草で花の輪を作る体験をしていると思います。花を飾ることを通してそんな思い出がよみがえってくれたらうれしいですね」。

    順調に仕事を進めてきたように見えますが、いつもそうだったわけではありません。ヘアーメイクでもフラワーデザインでもない独自のジャンルを生み出したため、髪に花を飾ることは特別なことのように思われたり、技術について忠告されたこともありました。

    「花結いを思いついた時に、パリ・コレクションをイメージしていました。ファッションショーをプロデュースするように、花を飾る女性の髪の量や、顔の雰囲気なども考えて、着物やドレスに全体的に調和する形を考えます。自分はアーティストだと思っているので、うまくいったときは一番やりがいを感じますね」。

    デザイナーの桂由美さんのブライダルフェアに参加し、花嫁を花で引き立たせるTAKAYAさんの技は支持を集めています。それにもかかわらず、現在はスタッフに指導をして、その技を引き継いでもらおうとしています。「いずれはスタッフだけでもブライダルの運営ができるようにと考えており、一般の人へ向けての教室を開こうと思っています」。

    花結いの仕事が広まりつつある中で、TAKAYAさんは新たな挑戦もしています。「舞台上で独創的なコンテンポラリーダンスと花結いを見せる公演など、パフォーマンスも積極的に行ってきました。1人芝居との共演も計画しています。今後は雑誌、広告の仕事などにも広げていきたいですね」。

    花結師・TAKAYA

    文:瓦谷登貴子

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  • 家族で創るミニチュア・ドールハウスの世界

    [From September Issue 2010]

    Mini Chuubouan
    KAWAI Yukio and KAWAI Tomoko

    For the last 30 years KAWAI Yukio has been running the small factory that he took over from his father. In addition, he and his wife Tomoko also manage Mini Chuubouan, a small atelier housed in a rebuilt part of the factory. At this atelier, they produce and sell miniature kitchen utensils for dollhouses. Yukio is in charge of producing machined ironware while his wife is responsible for hand-making fake food and other small articles out of clay. Their customers come from all over Japan.

    It was because of Tomoko’s hobby that they turned part of the small factory into an atelier. “I’d been attending a dollhouse-making class, and I always wanted miniature pots made of copper, just like real ones,” recalls Tomoko. “When I asked my husband to make them, he agreed to, saying that we can try by making use of our traditional skills.” “Incorporating all of her requests, I made sample pieces one after another, and it took me a few months to produce exactly what she wanted,” Yukio remembers.

    The finished products were made of real copper or stainless steel, and their designs resembled those of real pots. Those miniatures were so well received by Tomoko’s fellow students, that they were soon flooded with orders. “Due to the recession, the amount of work at the factory had been declining, but we got busy with the dollhouse thing as if it was our main business,” Yukio says with a laugh.

    Most of their pieces are no bigger than a 10 yen coin, and Yukio makes them while wearing special magnifying glasses. He pays attention to every little detail by making patterns, smoothing out the surface and attaching the handles, but the machines he uses are mostly outdated ones that he inherited from his father. Yukio believes that his method adds more warmth to them, compared to the ones created with modern computerized equipment.

    Now even their daughter Asami, a fine art college graduate, is involved in their business. “In the beginning, she was just helping us out, but I guess she found it interesting,” says Yukio. “Now the three of us talk about things together when we are working or attending events.” Just like her mother, Asami also makes food and small articles by hand out of clay, and enjoys joining her parents at various organized events.

    Dollhouse artists and collectors can be found all over the world. This past April, Mini Chuubouan participated for the first time in an event held in Chicago, and came away inspired by dollhouse miniaturists from other countries. “We would like to keep creating items that can be highly praised not only in Japan but in other countries as well,” says Yukio.

    Tomoko says that the good problem they are now facing is that they are so busy that they don’t have enough time to create new items. She adds that their website receives an average of about 2,000 hits daily, and on weekends, when many people visit their shop or they participate in events, they just get too busy to do anything else. Despite this inconvenience, Yukio says that they don’t intend to hire additional help because they only want to produce pieces that they are completely satisfied with. “As a family, we understand each other and that makes the creative process work. But the most important thing is to make pieces that will please our customers.”

    Mini Chuubouan

    [2010年9月号掲載記事]

    ミニ厨房庵
    河合行雄さん、河合朝子さん

    河合行雄さんは父親から引き継いだ町工場を経営しておよそ30年になります。現在、工場の一部を改築した「ミニ厨房庵」を妻の朝子さんと共に経営しています。この工房で、ミニチュア・ドールハウス用の調理器具を製造、販売しています。機械を使って作る金物類は行雄さんが、粘土を使って手で作る食品や小物類は朝子さんが担当しています。お客は全国から来ます。

    町工場を工房にしたきっかけは、朝子さんの趣味でした。「ドールハウスの教室に通っているのですが、本物のような銅製のお鍋がほしかったんです」と朝子さんは振り返ります。「夫に頼むと、今までの技術を活かして挑戦してみようと引き受けてくれました」。「要望を聞き入れて試作を重ね、数ヵ月かかってできました」と行雄さんは話します。

    完成品は、銅やステンレス製で、実物と同じ作りです。朝子さんのドールハウス仲間にも評判になり、注文が相次ぎました。「不景気で工場の仕事が減っていましたが、ドールハウスの方が本業のように忙しくなってしまいました」と行雄さんは笑います。

    作品は10円玉硬貨程度の小さなものが多く、行雄さんは特別なルーペをかけて製作します。型をとったり、削ったり、取っ手をつけたりと細かい部分までていねいに作りますが、使う機械はすべて父親の代から受け継いだ旧式のものばかり。コンピューターによる最新式のものよりも、作品に温かみが出せると、行雄さんは信じています。

    今は、美術系の大学を卒業した娘のあさみさんも製作にたずさわっています。「最初は手伝う程度でしたが、面白くなったみたいですね。今では3人で話し合いながら、作品作りやイベントに出展しています」と行雄さんは話します。あさみさんは朝子さんと同じく粘土で食品や小物類を作り、イベントにも参加します。

    ドールハウスは世界中に作家や収集家がいます。ミニ厨房庵も、4月にアメリカ・シカゴで行われたドールハウスのイベントに初めて出展し、各国の作家たちからも刺激を受けました。「日本だけでなく、各国で認められるような作品をこれからも作っていきたいです」と行雄さんは言います。

    今の悩みは忙しすぎて作品を作る時間が足りないと朝子さんは話します。ホームページのアクセス数は一日平均約2,000件、週末は多くの人が店を訪れ、イベントへの出展もあり、その対応に追われています。それでも、人手は増やさず、納得のいく作品だけを送り出したいと行雄さんは言います。「私たち家族はお互いを理解して作品を作っています。お客様に喜んでいただける作品を作ることが一番大事なんです」。

    ミニ厨房庵

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  • インテリアとしても愛される仏像の魅力を伝える

    [From August Issue 2010]

    MORITA Inc.

    MORITA Inc. deals mainly in Buddhist images. The original company, established in 1968, sold carved wooden ornaments called “engimono” (good luck charms). However, their popularity soon waned and while the company tried to find its next product line, Representative Director MORITA Shigeru, who took over the company from his grandfather, noticed the popularity of Buddhist images.

    “First, we were providing hand-carved Buddha images to shrines and temples. But when we started a mail-order business for our customers about eight years ago, we sold 5,000 items in three months. I myself became interested in Buddhist imagery, also finding them attractive,” recalls Morita. His company then started the “Butsuzou World” original brand two years ago to further develop and sell their items to the general public.

    Presently, their main product is the “Real Butsuzou” line of lifelike reproductions of Buddhist images that have been designated as Japanese natural treasures, including Ashura (the aggressive guardians), Senju-Kannon (the Goddess of Mercy with a thousand arms) and Miroku Bosatsu (The Buddha of the Future). Each realistic, miniature copy measures 20 ~ 50 cm in height. And while they are all made with identical silicon molds to ensure excellent detail, they all turn out to be slightly different from one other. The finishing touches are then done by professional craftsmen. Finally, the color and gold leaf is also manually applied.

    For instance, Ashura (63,000 yen) is supposed to be a “very detailed copy of the existing image,” featuring peeling gold leaf to resemble the original 1,300-year old artwork. When “The National Treasure ASHURA and Masterpieces of Kohfukuji” attracted more than 900,000 people in Tokyo, MORITA Inc.’s “Real Butsuzou” brand instantly attracted a lot of media attention. Last year they sold 1,700 copies of the Ashura figure alone.

    Morita, who continues to actively attend department store events across the country, says that “men and women of younger generations look upon Buddha images as fine art, and share new information with me. Most of our customers seem to buy them as interior decorations without much religious motivation. Our product is also popular among people who demand high quality when they buy things such as a camera or a watch.”

    Although Butsuzou World has grown in popularity because of the boom in Buddha images, Morita hopes that its popularity won’t end there. “Through Buddha images, I want to share with the world our beautiful, traditional Japanese culture and spirituality, that we should be proud of. We have to keep on and hand it down to the next generation,” he says.

    MORITA Inc. has a gallery at its main office in Higashi-matsuyama, Saitama Prefecture, a retail shop in Tokyo’s Akihabara area, as well as also exhibiting and selling items in various department stores in the Tokyo area. “I want to make Butsuzou World grow into a more stable brand and then open a satellite store in Tokyo within three years. After that, we are thinking about expanding into Europe,” he alludes.

    MORITA Inc.

    [2010年8月号掲載記事]

    株式会社MORITA

    株式会社MORITAは主に仏像を販売する会社です。1968年に開業した頃は「縁起物」(幸運をもたらすもの)と呼ばれる木彫りの置き物を売っていました。しかし、ひと頃よりも人気がなくなり、次に売り出す商品を考えていたとき、祖父から会社を引き継いだ代表取締役の森田滋さんは仏像の人気に注目しました。

    「初めは神社やお寺に手彫りの仏像を納めていましたが、8年ほど前に一般向けに通信販売を始めたところ、3ヵ月で5,000体が売れました。私自身も仏像に興味をもち、魅力を感じるようになりました」と、森田さんは振り返ります。そして2年前に自社ブランド「仏像ワールド」を立ち上げ、一般向け商品の開発と販売を本格的に開始しました。

    主な商品は、現在も残っている阿修羅や千手観音、弥勒菩薩といった国宝に指定された仏像を再現した「リアル仏像」です。高さがそれぞれ20~50センチほどで、仏像のミニチュアです。細かい部分まで再現できるシリコン型を使いますが、できあがりが少しずつ違い、最後は専門の職人が手で仕上げます。金箔などの色づけもすべて手作業です。

    たとえば、阿修羅(63,000円)の「細密現存仕様」の場合、金箔のはがれ具合や1,300年を経た風合いまで実物そっくりです。そして、東京だけで90万人以上が来場した昨年の「国宝 阿修羅展」をきっかけにメディアで取り上げられると、リアル仏像はたちまち話題になりました。阿修羅は去年だけで1,700体も売れました。

    全国各地のデパートで行うイベントにも積極的に出向く森田さんは続けます。「男女問わず若い世代が絵画を鑑賞するように眺めたり、私にはない知識を教えてくれたりします。宗教的な理由というよりも、部屋のインテリアとして買う人が多いようですね。また、カメラや時計など、良質な物にこだわる人にも人気です」。

    仏像ブームに後押しされるように有名になった仏像ワールドですが、森田さんにはブームで終わらせたくないという思いがあります。「仏像を通して日本の伝統文化の美しさや、世界に誇れる日本の精神文化を発信したい。残していかなければならない、次の世代に伝えていかなければいけないものなのです」と話します。

    株式会社MORITAは現在、埼玉県東松山市の本社内にあるギャラリーのほか、東京・秋葉原のフィギュアショップ、都内とその近郊の百貨店を中心に展示販売をしています。「仏像ワールドをよりしっかりとしたブランドに成長させ、3年以内には都内にアンテナショップを開きたいですね。その後、ヨーロッパ進出も考えています」と森田さんは言います。

    株式会社MORITA

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  • しきたりにとらわれず、伝統芸能を今に伝える

    [From August Issue 2010]

    YOUKI Magosaburo XII,
    Leader of the Marionette Theatre Company Youkiza

    The “Youkiza” marionette theater company was established during the Edo Period, in 1635. On stage they perform the Japanese traditional art form “Edo ito ayatsuri ningyou.” The troupe’s founder, YOUKI Magosaburo, has had his name passed down from generation to generation, and in 1993, the 12th-generation leader took it on. Magosaburo XII was born as the second son to Magosaburo X and started performing when he was only four years old. Now, at 67, he is still on stage.

    A puppeteer uses “teita” (hand boards) to control the marionette’s expressions and movements. More than 10 strings from the teita are tied to the marionette’s various joints, including the head, shoulder, arms and legs. Magosaburo says, “It is different from acting done by humans because the marionette has a limit to its expressions and movements. So it is an art with insufficiency and imperfection.”

    “But that is all the more reason that I feel it is worth the effort,” he says. However, it wasn’t until his early 30’s that he became fascinated with the art of the puppeteering. “Ever since I was in elementary school, I would have to go to 3 after-school lessons a day, including Japanese dance, kyogen (traditional comic theater), and noh (traditional masked theater); and then on weekends, I would help my father who worked on marionette TV programs. When I was a latter teenager, I yearned for the ordinary life that my friends had – like going to college and becoming a businessman,” he recalls.

    Although displeased, he continued as a puppeteer. After getting married, and expecting a child, his mentality changed. “I worked all my life as a puppeteer, so I did not know any world beyond it. Finally at that age, I learned to accept the art as my work and it became very interesting,” he said adding that “I decided that instead of becoming a good puppeteer, I would aim to become a unique one.”

    And he did. He remembers that he would “try various staging styles that were, until then, considered taboo, such as leaving a marionette on the stage for a full scene, or biting on dolls. Of course I did all this because it was effective staging.” He recalls that “it was much better than expected and was well received,” especially when he had inexperienced audience members learn basic puppeteer skills, and then have them control a scene where the puppets flee from an air-raid, producing a more realistic effect.

    During overseas productions, which the company began during his father’s era, Magosaburo XII was bold. “In Britain not only did we perform traditional Japanese plays, but we also daringly performed Shakespeare. We always perform stories that are familiar to the people of the country we visit so that our show is reviewed for its storytelling and performance, and not just as a traditional art form from a foreign country,” he explains.

    More recently, Magosaburo XII has started giving workshops to elementary and middle school children who live in the area around his studio. “I hope many people, young, old and non-Japanese, will come to casually experience the art of puppeteering and enjoy it. Personally, I would like to continue performing on stage for another 10 years, to ensure that our performance company will be there for the next generation.”

    Youkiza

    [2010年8月号掲載記事]

     

    結城座座長 十二代目 結城孫三郎さん

    人形劇団「結城座」は江戸時代の1635年に誕生しました。登場するのは日本の伝統的な「江戸糸あやつり人形」と呼ばれるものです。初代の座長だった結城孫三郎の名は代々引き継がれ、1993年に十二代目、結城孫三郎が誕生しました。十代目の次男として生まれ、4歳で初舞台を経験、67歳の現在も人形つかいとして活躍しています。

    人形は、「手板」と呼ばれる操作板をあやつることで人形の表情や動作を変えます。手板から伸びる10本以上の糸が人形の頭や肩、手足など主な関節に結びつけられています。孫三郎さんは、「人間が行う芝居と違い、人形は表情や動作に限界があり、不十分、不完全な世界です」と話します。

    「だからこそやりがいを感じます」と言いますが、孫三郎さんがその魅力に気づいたのは30代前半のことでした。「小学生の頃から、日本舞踊や狂言(伝統的な喜劇)、能(伝統的な面をつけた劇)など、1日3つくらいの習い事をこなし、土日は父の出演していたテレビの人形劇番組の手伝いをしていました。しかし、10代後半になると、友達のように大学に進んだりサラリーマンになったりする普通の生き方に憧れるようになりました」と思い出を話します。

    悩みながらも舞台に立ちつづけましたが、結婚して子どもができたことで、心に変化がありました。「人形つかいひと筋でしたから、他の世界を知らず、その年になってようやく覚悟ができました。それからはこの仕事がとても面白くなりました」。そして、「上手な人形つかいではなく、風変わりな人形つかいを目指そう」と決意します。

    そして実行します。「人形を舞台上に置いたまま、ひと場面そのままにしたり、人形にかみついたり、本来やってはならないとされていた方法にも挑戦しました。もちろん、それぞれの芝居に必要な演出だと思ったからです」。また、空襲で逃げまどう人たちをよりリアルに描くため、素人の観客たちに基礎稽古だけつけて人形をあやつらせたところ、「予想以上の出来で、大好評でした」と振り返ります。

    父親の代から行ってきた海外公演でも、孫三郎さんは持ち前のチャレンジ精神を発揮します。「日本の古典だけではなく、イギリスであえてシェイクスピア作品を公演したりします。海外の観客には、異国の伝統芸能だからというのではなく、芝居として面白いかどうかを評価してほしいので、その国でよく知られている物語を演じるのです」と説明します。

    近年は、稽古場のある地元の小中学生向けにワークショップを開くなど、孫三郎さんは指導者としても活動しています。「外国人でも、子どもでもお年寄りでも、気軽に体験して楽しんでもらえればうれしいですね。私自身はあと10年くらい舞台に上がって、次の世代の人たちのために劇団をきちんと残していきたいです」。

    結城座

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  • 飛べない白鳥の世話をするペンキ屋さん

    [From June Issue 2010]

    HIROI Yoshinobu

    Every year around October, various migratory birds fly to the Japanese Archipelago. Since it is too cold for them to feed in Siberia during the winter, they migrate to a warmer Japan for their food. For two weeks they fly between 3,000 to 4,000 kilometers from the Eurasian Continent.

    Facing the Sea of Japan, in Shibata City, Niigata Prefecture, lies Lake Masugata, just one of the destinations for hundreds of swans who make it their home from October through April, before returning to Siberia in the spring. Among them, however, is one swan that is a Masugata resident. About 10 years ago it was seriously wounded and lost its right wing, making it unable to fly, and even the locals don’t know how it happened.

    In Masugata, the bogs are full of water grass. The lake is surrounded by low mountains, which shield it from both wind and heat – great conditions for a flightless swan during Japan’s severely hot summers. However, since it is difficult to survive on only nature-supplied food, the swan has been getting some local help.

    HIROI Yoshinobu, a paint shop owner for 40 years, has visited Lake Masugata to feed the crippled swan every morning before going to work, regardless of whether it is rainy, windy, snowy or freezing cold.

    Since his youth, Hiroi has taken regular walks around Masugata, but it was only 10 years ago that he first encountered a woman who was giving the wounded swan some bread. That’s when he decided to start feeding it rice. He had seen other swans foraging for food in rice paddies during the winter, and thought it would be nice to give the wounded swan some similar food.

    Hiroi first bought “irigo,” or unripened rice, from both the Agricultural Cooperative Association and local farmers. Since it was light and floated easily on water, he thought it would be most suitable for the swan. Thirty kilograms cost about 2,500 yen, and was enough to feed the swan for about five days. Nowadays, according to Hiroi, many neighboring farmers bring him rice to, “Please give to the swan.”

    Over the past 10 years, many people have fed the swan, but Hiroi is the only one who does it regularly. One day, Hiroi had something he had to do at his workplace, so he headed to Masugata later than usual. Upon arriving, he saw the swan standing on the shore gazing at him, making him feel guilty for being late. However, Hiroi felt deeply moved by the fact that the wild swan was waiting for him.

    Hiroi passionately admits that “as the person who started the feeding, I have a responsibility. The life expectancy of a swan is about 24 years. I imagine that this swan will live for at least another 10 years or so. I’m not sure who will live longer, the swan or I, but I intend to take care of until the day it dies.”

    When other swans start their return journey north, the wounded swan tries to follow, but with just one wing, it can only fly about two meters. Hiroi, who has been watching those attempts for ten years, says, “I really feel sorry for the bird. I wish I could send it back, at least once, to its homeland of Siberia.”

    Moreover, Hiroi organized the “Yamabiko-kai” (Echo Club) with the people he met at Masugata, and keeps in touch with them by taking trips and having meals together. Some new members have even joined after seeing him feed the swan. “The wounded swan has brought me encounters with so many people,” he remarks.

    One time, while Hiroi was feeding the swan as usual, a stranger approached, offering him a painting job. Like the old Japanese story, “Tsuru no Ongaeshi” (Crane’s Repayment of Kindness), for Hiroi, that repayment really happened.

    Hiroi admits that although he’s taking care of the swan voluntarily, he knows that he is also getting a lot of cooperation from the bird. “Live and let live. I wish we could all be friends,” he says as the tears welled up in his eyes. The flightless swan of Masugata, that Hiroi protects, is loved by everyone still today.

    Text: HAMADA Miyako

    [2010年6月号掲載記事]

    広井吉信さん

    毎年、10月ごろになると、さまざまな渡り鳥が日本列島へ飛んできます。冬のシベリアではえさをとることができなくなるため、鳥たちは食料を求め、暖かい日本に移動してくるのです。3,000~4,000キロを約2週間かけて、ユーラシア大陸から飛んできます。

    日本海に面した新潟県新発田市に「升潟」という湖があります。ここにも、10月から4月にかけて数百羽の白鳥がやってきて、春になるとシベリアへ帰ります。しかしそのなかに、ずっと升潟に留まる一羽の白鳥がいます。10年ほど前に大けがをし、右の翼を失ってしまったため、飛ぶことができないからです。けがの原因は、地元の人も知りません。

    升潟には、多くの水草がおいしげる湿地もあります。低い山に囲まれて風や暑さを防ぐことができるので、飛べなくなった白鳥が厳しい日本の夏を過ごすためには、よい条件がそろっています。しかし、自然のえさだけで生きのびることは困難なため、現地の人々にずっと支えられてきました。

    40年にわたり塗装店を営む広井吉信さんは、雨の日も風の日も、そして雪が降る厳しい冬であっても、毎朝、仕事の前に升潟へやってきて、けがをした白鳥に食事を与え続けています。

    広井さんは、若いときから升潟の周りを散歩する習慣があります。10年前の朝、いつものように散歩をしていたとき、傷ついた白鳥に食パンを与えている女性に出会いました。そこで、広井さんはお米を与えることにしました。冬になると、田んぼでえさを探している白鳥を見ていた広井さんは、飛べなくなった白鳥にも、他の白鳥たちと同じえさを食べさせてあげたいと思ったのです。

    広井さんはこの白鳥のために、「いりご」という、熟していない米を農業協同組合や農家から買いました。いりごは軽くて水に浮くので、白鳥が食べるには最適だと思ったのです。価格は、30キロ2,500円程度で、白鳥の食事としては5日分。今では、近所の農家の人たちが「白鳥に食べさせて」と持ってきてくれることも多いといいます。

    この10年間、何人もの人たちが、この白鳥にえさを与えにきましたが、ずっと続けているのは広井さんだけです。ある日、広井さんは仕事の用事があり、いつもより升潟へ行くのが遅くなってしまいました。広井さんが着いたとき、白鳥は岸に上がり、広井さんのくる方向をじっと見つめて立って待っていました。広井さんは、遅くなって申し訳ないと思いましたが、野生の白鳥が自分を待っていてくれたことに深く感動しました。

    広井さんは、熱をこめて語ります。「こうしてえさを与えはじめた以上、私には責任があるんです。白鳥の寿命は24年くらいです。この白鳥も、多分あと10年は生きるでしょう。私が先か、白鳥が先かはわかりませんが、この白鳥が死ぬまで面倒をみるつもりです」。

    春、仲間たちが北へ帰っていくとき、負傷した白鳥は何度も飛ぼうとしますが、片方の翼では、わずか2メートルしか飛べません。その姿を10年間も見ている広井さんは、「何だかかわいそうでね。一度でいいから故郷のシベリアに帰らせてあげたいですね」と言います。

    さらに広井さんは、升潟で出会った人たちとともに「山彦会」と名付けたサークルを作り、旅行に行ったり、食事をしたりしてコミュニケーションをはかっています。白鳥に食事を与える広井さんを見て入会した人もいます。「このけがをした白鳥が、たくさんの人との出会いをもたらしてくれたのですよ」と、広井さんは言います。

    あるとき、広井さんがいつものように白鳥にえさをあげていると、見知らぬ人から声をかけられて塗装の仕事を頼まれたことがありました。日本には「鶴の恩返し」という昔話がありますが、広井さんにとっては、まさに恩返しが起きたのです。

    広井さんは、ボランティアで白鳥の世話をしているのですが、結果として、白鳥に助けてもらったことも多いと言います。「生きていることはお互い様。みんなで仲良くしたいね」。そう語る広井さんの目には、うっすらと涙が浮かんでいました。広井さんが守ってくれる升潟の飛べない白鳥は、今日も皆に愛されています。

    文:浜田実弥子

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  • 難民から会社社長へ

    [From May Issue 2010]

    The President of Metran Co., Ltd.
    TRAN Ngoc Phuc / NITTA Kazufuku

    Metran Co., Ltd., located in Kawaguchi City, Saitama Prefecture, is a medical equipment development company with great technology – especially for producing specialized medical instruments to treat premature babies. In 2009, the company received the Shibusawa Eiichi Venture Dream Award from Saitama Prefecture. Metran’s President is TRAN Ngoc Phuc (Japanese name is NITTA Kazufuku).

    Tran was born in Vietnam in 1947. He hardly ever went to high school spending most of his time watching movies and doing karate. “This may sound like an excuse, but we were in the middle of a war in those days. I thought I would be killed in the war sooner or later, so I did everything I wanted to do. I also read a lot of books on philosophy, because I wanted to learn about life and death,” he recalls.

    It was through both karate and philosophy that Tran became interested in Japan. “I still tell everyone that Japan has, to this day, preserved and passed on the treasures of Oriental philosophy like giri (a sense of duty) and ninjou (human empathy). That’s why I chose Japan when I studied abroad,” he says of his starting Tokai University in 1968.

    After graduation, he worked as a trainee at the Senko Medical Instrument Mfg. Co., Ltd., where he soon surprised everyone with his instrument-design ability. “The instruments of that time were more dangerous than (they are) now, and those who were not familiar with them often hurt themselves. So I revamped the instruments so that people wouldn’t cut their fingers,” he recounts.

    But other longtime craftsmen didn’t appreciate the way he worked. They thought their skills could only be mastered through injury and practice. Tran thought otherwise. “I needed to learn those skills in two years, before I went back to Vietnam. So I told them that I didn’t have time. But they got angry and called me names, saying things like, ‘Well, he’s a foreigner.’ But there were many others who praised me, happy that, ‘we don’t hurt ourselves anymore, thanks to you.’ ”

    In 1975 North Vietnam won the war, and Tran, who is South Vietnamese, lost his home. By then, he was already married to his Japanese wife Mitsuko, with whom he had been thinking about building a factory in Vietnam someday. But, they changed their plans and remained in Japan. By that time Tran became a full-time Senko company employee, everyone having already recognized his ability.

    In 1984 he went independent and established Metran. Using the benefits he received from his Senko retirement, he created a new instrument to help assist the breathing of physically weak babies. It quickly became a great success in the United States where it was hailed as “a wonderful device.” However, there were times when Tran wondered if it was ethical to keep alive by machine, babies who were so prematurely born that they could be held in the palm of an adult hand.

    Soon after that Japan fell into recession and a longstanding reseller of Tran’s instruments suddenly decided to stop any future orders. At that point, about 30 units had already been completed, costing several dozen million yen.

    “I got dizzy, having been betrayed by people I’d been doing business with for years. To make matters worse, the employees at that company didn’t know the real situation. They thought I’d betrayed them and made a deal with another company instead. They said, ‘We have been trying hard to sell your instruments. You’re a bad man.’ It was a very tough time,” he admitted.

    Through this experience, Tran came to realize that a small company cannot protect itself unless it has proprietary technology that other competitors can not imitate. He also learned “that people may only show giri and ninjou when they can afford to financially.” So he continued to work, harder than ever, and last year invented an instrument for people who stop breathing while asleep, of which Metran is the sole producer in Japan.

    In 1986 Tran returned to Vietnam for the first time in 18 years and got reacquainted with his parents and brothers, whom he had not seen since the end of the war. He now also owns a factory there. “Vietnam is the country where I was born, so I wanted to give something back. My family’s companies have provided about 1,500 people with jobs. This is the least I can do, and if there are more people I can help by doing this, I’m happy to do it,” he says, solemnly speaking about his feelings for his homeland.

    But these days Tran considers Japan his home because this is where he lives. “I care about the future of Japan because this is my country. I would like to help make Japan a better place,” he states. So, for its rapidly-aging society, Tran is now striving to invent instruments to help Japan’s elderly.

    Metran Co., Ltd.

    Text: SAZAKI Ryo

    [2010年5月号掲載記事]

    メトラン株式会社社長
    トラン・ゴック・フック/新田一福さん

    埼玉県川口市にある株式会社メトランは、医療器械を開発する会社です。特に、とても小さく生まれた赤ちゃんのための器械を作ることにかけては、すばらしい技術を持っています。2009年には埼玉県から「渋沢栄一ベンチャードリーム大賞」をもらいました。このメトランの社長はトラン・ゴック・フック(日本名:新田一福)さんです。

    フックさんは1947年にベトナムで生まれました。高校へはほとんど行かず、映画を見に行ったり空手をしたりしていました。「言い訳みたいだけれど、当時は戦争中でしたから。ぼくもいつか戦争で死ぬと思っていましたから、やりたいことを全部やって、あとは哲学の本をたくさん読みました。生きること、死ぬことについて知りたかったんです」。

    空手や哲学を通じて、フックさんは日本に関心を持ちました。「ぼくは今でもみんなに言うんですよ。日本は、義理や人情という東洋哲学の宝物を大事に守って現代へ伝えてくれた国だ、とね。だから留学先に日本を選んだんです」。1968年に日本へ来て、東海大学に入りました。

    卒業後は泉工医科工業株式会社という、医療の器械を作る会社に、研修生として入りました。すぐに器械を作る能力を見せて、まわりを驚かせます。「当時の道具は今より危なくて、慣れない人はよくけがをしたんです。だから道具を作り変えて、指を切らないようにしました」。

    古くからいる職人たちはフックさんのくふうが気に入りませんでした。彼らは、技術はけがをしたり時間をかけたりしながら学ぶべきだ、と思っていました。「ぼくは2年で技術を学んで、ベトナムへ帰らなければいけません。だから『ぼくには時間がありません』と言いました。職人たちは怒って、『あいつは外国人だから』と悪く言いました。でもほめてくれた人もたくさんいました。『おかげでけがをしなくなりました』と」。

    1975年、北ベトナムが勝って戦争が終わりました。南ベトナム出身のフックさんにとっては、帰る国がなくなってしまいました。フックさんはすでに満子さんと結婚していて、「いつか二人でベトナムに工場をつくろう」と考えていましたが、人生の計画を変えて日本で生きていくことにしました。そして泉工の正社員になりました。そのころには会社のみんなが、フックさんの能力を認めていました。

    1984年には会社メトランをつくって独立しました。会社をやめたときにもらったお金をすべて使って、新しい器械を作りました。体の弱い赤ちゃんのための、呼吸を助ける器械です。これがアメリカで「すばらしい器械だ」と言われ、大成功をおさめました。しかし、手のひらよりも小さく生まれた子を器械で無理に助けていいのかと悩んだこともありました。

    その後、日本の景気は悪くなりました。長い間フックさんの器械を売っていた会社が突然、もう受け取らないと言いました。そのとき器械は、すでに30台ほどができあがっていて、数千万円かかっていました。

    「長年つきあってきた人たちに裏切られてしまって、めまいがしました。しかも悪いことに、その会社の社員たちは本当の事情を知りませんでした。みんなは、私が裏切って他の会社と契約したのだ、と考えました。『これまでおまえの器械を一生懸命売ってきたのに。お前は悪いやつだ』と言いました。とてもつらい時期でした」。

    この経験からフックさんは、他の会社がまねできない技術を持っていないと、小さな企業は身を守れないと考えるようになりました。「それに、義理や人情はお金があるときだけのものだ、ということもね」。フックさんはそれまで以上にがんばりました。そして去年メトランは、眠っているときに呼吸が止まってしまう人のための器械を作りだしました。これは、日本ではメトランしか作れない器械です。

    1986年、フックさんは18年ぶりにベトナムへ帰りました。戦争のあと、ずっと会えなかった親や兄弟に会うことができました。今では、ベトナムにも工場を持っています。「ベトナムは私の生まれた国ですから、お返しがしたかったのです。私たちのグループで、約1,500人の職場ができました。私にはこれくらいの力しかありませんが、それで助かる人がいるのならばさらに多くの人を助けたいと思います」とフックさんは、ベトナムへの思いを語ります。

    でも今のフックさんにとって、住んでいる日本が「自分の国」です。「自分の国ですから、日本の今後が気になります。日本をもっとよくしたいですね」。フックさんは今、高齢化が進む日本のために、お年寄りの役にたつ器械を作ろうとしています。

    株式会社メトラン

    文:砂崎 良

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  • 漢字の魅力をひきだす書道家

    [From April Issue 2010]

    TAKEDA Souun, Calligrapher

    Last year, the most watched TV-drama series in Japan was the NHK Taiga Drama: Tenchi-jin. The calligrapher who created the title’s dynamic letters was TAKEDA Souun. Souun also currently runs a Japanese calligraphy school in Shonan, Kanagawa Prefecture named Futaba-no Mori, while also holding solo exhibitions and designing product logos and CD jackets.

    But Souun goes far beyond merely writing and teaching calligraphy. He also collaborates in performances with famous artists such as the band B’z, and NOMURA Mansai – the traditional kyogen performance artist. Souun also creates huge murals in front of guests, and is continuously active in various endeavors including writing poems with accompanying calligraphy, and lecturing to fellow creators.

    “What is natural to me is sometimes extraordinary or new to others,” says Souun. “I had no intention of creating something new or breaking any boundaries. People are just surprised or excited by what I do, so I humbly accept their requests, and that is how I came to work in various fields.”

    Souun was born in Kumamoto Prefecture in 1975. He began studying Japanese calligraphy under the tutelage of his mother Souyou, when he was 3 years old. His mother’s teachings were very strict, and since there are many detailed rules in Japanese calligraphy, Souun sometimes got fed up with it. “But I never stopped loving the act of writing letters itself,” Souun says reflectively.

    In college he majored in computer science and was then was hired by NTT, one of Japan’s largest telecommunications companies. But, he just couldn’t relate to his colleagues. “When I was in meetings where the executives were also present, I felt the meetings were trivial. So I raised my hand and asked ‘is there any meaning to this meeting?’ Everyone was shocked. There was also the time when I asked a person slacking off, ‘why aren’t you working?’” he fondly remembers.

    Souun’s heart was in the right place as they were honest questions asked purely out of curiosity – but some people got angry. Others were bothered by the casual way in which he spoke to his superiors. Looking back on those days, Souun says: “I couldn’t read between the lines. I think I was the kind of person who had many annoying characteristics.”

    But Souun doesn’t think he has bad character. “I might have been a minus for the company, but individuality is a plus in the world of art. So I think it is wiser to wait before deciding what’s good and bad. When situations change, minuses can become pluses.”

    Souun’s life changed while listening to a street musician’s performance. “Tears started naturally welling up inside me. It made me want to do something to touch people,” he recalls. “As I worked, I felt that ‘all I ever see are printed letters and words from computers, but there’s a warmth to handwritten letters,’ so that motivated me to live my life as a calligrapher.”

    Always optimistic, Souun admits that he “gets right back on his feet after a fall.” But in his book of poetry, he writes words such as “Righteousness is something that one considers convenient,” that portray reality as both cold and hard. “There is probably a cheerful Souun and a gloomy Souun inside me. For example, when I look into a child’s face, I sometimes think ‘I am happy, but there are some parents in this world who abuse their children.’ Then I think of how both the abusing parents and the abused children must feel and it makes my eyes water,” he reveals.

    Souun advises non-Japanese people learning kanji to study like it’s a game. “It’s not worth your effort if it makes you forget the fun part. And this can be said for more than just kanji. Everyone should have more fun, just make merry, I think,” he advises. And it’s this laid-back character of his that continually attracts more Souun-fans.

    “When I am talking to non-Japanese people, I realize things that are otherwise mundane. The points that interest us are the same, and although we may have different features, use different languages and have different cultural backgrounds, I love it when we find common ground,” he affirms.

    TAKEDA Souun’s Official website

    Text: SAZAKI Ryo

    [2010年4月号掲載記事]

    書道家 武田双雲さん

    昨年、日本で放送された連続ドラマの中で、見た人が最も多かったのは、NHKの大河ドラマ「天地人」。そのダイナミックな題字を書いたのが、書道家の武田双雲さんです。双雲さんは現在、神奈川県の湘南で「ふたばの森」という書道教室を開いています。また、個展を開いたり、商品のロゴやCDジャケットのタイトルを書いたりもしています。

    双雲さんは書を書いたり教えたりするだけではありません。ミュージシャンのB’z、伝統芸能である狂言の野村萬斎といった有名なアーティストと共同でパフォーマンスをしたこともあります。お客さんの前で巨大な書を書いて見せたりもします。詩を書いてそれに自分の書を添えたり、クリエイター向けの講演をしたりと、さまざまな活動をしています。

    「僕にとっては自然なことが、まわりには意外だったり新しく感じたりするらしいんですよ」と双雲さんは言います。「僕は、新しいことをしようとも何かを壊そうとも思っていません。まわりが僕のやることに驚いたり喜んだりしてくださるので、僕でよければやりましょうか、みたいな感じで、いろいろなジャンルで仕事をしています」。

    双雲さんは、1975年、熊本県に生まれました。書道家の母、双葉さんのもと、3歳から書道を始めました。お母さんの教え方はとてもきびしく、また書道には細かい決まりがたくさんあるので、嫌になることもあったそうです。「でも、字を書くことそのものは、ずっと好きでいられました」と双雲さんは当時をふりかえります。

    大学では情報科学を学び、大手電話会社NTTに就職しました。しかし人間関係で苦労します。「重役も出ている会議に出席していたときのことです。僕にはその会議が重要ではないと感じられました。そこで手を挙げて『この会議に何の意味があるんですか』と聞いたんです。みんな驚いていましたね。それから、仕事をさぼっている人に『どうして働かないんですか』と聞いたこともあります」。

    双雲さんに悪気はなく、ただ好奇心からの質問だったのですが、それに対して怒る人もいました。また、双雲さんが地位の高い人にも気軽に話しかけたり接したりすることに対して、反感を持つ人もいました。当時のことをふりかえって、双雲さんはこう言います。「空気が読めなかったんですよね。迷惑な部分も多い人間だったと思いますよ」。

    でも双雲さんはそういう自分の性格を、マイナスだとは考えていません。「会社ではマイナスだったかもしれないけど、芸術の世界に入ってからはこの個性がプラスに働くことが多いんです。だから、何がいいとか悪いとか、すぐに判断するのはやめた方がいいですよ。まわりを変えれば、そのうちマイナスもプラスになったりするんですから」。

    双雲さんの人生を変えたのは、あるストリートミュージシャンの演奏を聴いたことです。「自然に涙が出てきましたね。自分も人を感動させることがしたいと思いました」とふりかえります。「仕事のなかで見かけるのは、印刷された字やネット上の字ばかりです。手書きの字には温かさがあるのにと感じていたこともあり、書道家として生きていくことを決意しました」。

    「落ち込んでもすぐ立ち直る」と言う前向きな双雲さん。しかし双雲さんの詩集には「人間が言う正しさとは、都合がいいかどうかのことである」というような、現実を冷めた目で見る詩もあります。「僕の中に明るい双雲と暗い双雲と、両方いるんでしょうね。例えば子どもの顔を見ているとき、『僕は幸せだけど世間には子どもをいじめる親もいる』と考えたりするんですよ。すると、いじめる親といじめられる子ども両方の気持ちを考えてしまって、涙が出てしまうんです」。

    双雲さんは漢字を学ぶ外国の人たちへ、ゲームのように勉強したらいいとアドバイスします。「楽しさを忘れてまで、がんばる必要はないと思います。漢字以外のことでもそうですが、みんなもっと楽しめばいい、はしゃげばいいのに、と思います」。このおおらかな人柄も、双雲ファンを増やしています。

    「外国の人と話していると、ふだんあたり前すぎて感じていないことに気づけますね」と言う双雲さん。「顔も言葉も文化も違うのに、おもしろいと感じるところは同じなんですよ。共通点を見つけるのが楽しいです」と双雲さんは話します。

    武田双雲さん公式サイト

    文:砂崎 良

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