-
[From November Issue 2011]
Sato Seni Co., Ltd.
When the Inauguration Day ceremony of American President Barack OBAMA was held in Washington DC, the attire worn by Michelle OBAMA caused a stir. It is customary for First Ladies to wear suits for official functions, but Michelle instead wore a cardigan designed by the famous French fashion brand, Nina Ricci. The yarn used to create the cardigan was developed by Sato Seni Co., Ltd.
Sato Seni started out as a knitting subcontractor. But in the 90s business became very tight. This was because many Japanese companies moved production to China. Many clients repeatedly pressured Sato Seni to lower their prices. Sales figures dwindled to just a third of what they had been during the company’s peak. In 1991, Sato Seni had no other choice but to cut its staff of 130 by almost half.
The president of the company, SATO Masaki himself scrambled this way and that to get commissions. Still no sales were made. In the midst of this, an Italian company from whom Sato Seni purchased yarns invited Sato to their factory. The owner took Sato around the factory, showing him how yarns were processed for high-end and specialty materials.
“Even first-rate designers cannot make yarn. That is why factories like us have to motivate fashion designers,” said the Italian factory owner, holding himself with pride. “I felt embarrassed that we only created things that we were ordered to make. It was also shocking to find that the specialty yarns were made with the same machinery we used,” says Sato.
Sato returned to Japan determined to start afresh. “To meet the orders we received we had been copying Italian products and technology, but from here on there would be no more copying. Rather than blindly creating yarns, we had to copy the spirit of Italian manufacturing and create our own one-of-a-kind yarns.” This is how development began to create specialty yarns. It was very difficult to alter the mindset of the craftsmen, but through brainpower, guesswork and hard graft, Sato Seni succeeded in developing unique yarns. The next task was to find a way to have people appreciate the quality of these products.
Sato reasoned that if the product’s value could be approved by internationally acclaimed figures, the brand value would soar. With that thought, Sato proactively took the most unique yarns to various international exhibitions. At one of these major exhibitions, namely the Italian Pitti Immagine Filati, the designers for Nina Ricci took notice of them.
Sato Seni provided Nina Ricci with what is generally called “mohair yarn.” The knitted cardigan that Mrs. Obama wore was made from the finest mohair in the world. Mohair yarn is made from the rare natural hair of Angora goats. It has a very soft feel to the skin. The designers of Nina Ricci gasped in surprise at the fineness of the yarns created by Sato Seni.
Sato Seni grew into a successful company that provides over 1,500 kinds of specialty yarns, busily receiving orders from internationally famous fashion brands including Chanel. They have strengthened their brand identity brand in Japan as well as throughout the world. Their net income has successfully grown six fold in the past five years.
Text: TAKAHASHI Yoshinori
[2011年11月号掲載記事]
佐藤繊維株式会社
アメリカ・ワシントンで行われたバラク・オバマ大統領の就任式で、ミシェル夫人のファッションが話題を呼びました。公式行事ではスーツを着用するのが慣例ですが、夫人が身に着けたのはフランスの有名ファッションブランド、「ニナ・リッチ」のカーディガン。そのニットの素材を開発したのが佐藤繊維株式会社です。
佐藤繊維は、当初はニットの下請け事業などをしていました。しかし1990年代には事業がピンチを迎えました。日本の各社が中国に生産拠点を移したためです。佐藤繊維も発注先から何度も値下げの圧力がかかりました。売上高はピーク時の3分の1にまで落ち込みました。130人いた従業員を、1991年には半数近く減らさなければなりませんでした。
社長の佐藤正樹さんは、仕事を取りたい一心で自ら営業に駆け回りました。それでも売れません。そんな中、佐藤繊維が糸を購入していたイタリアの工場から招待を受け、工場を案内されました。オーナーは高級品から特殊なものまで、糸の作り方を見せてくれました。
「一流のデザイナーでも糸は作れない。だから私達の工場こそ、ファションデザイナーを動かしている」。イタリア人オーナーの口ぶりからは誇りが感じられました。「人に言われた物しか作っていない私は自分がみじめに感じました。また、それら特殊な糸はうちと同じ機械で作られていてショックでした」と佐藤さんは話します。
帰国後、佐藤さんは改革を決意します。「僕たちは今までイタリアの製品や技術を真似して受注の仕事をしていたけれど、これからは真似しない。やるならイタリアのものづくりの精神を真似よう、ただ作るのではなく独自の糸を作ろう」。こうして特殊な糸の開発が始まりました。職人たちの考え方を変えるのが一番の苦労でしたが、様々な思索、模索と葛藤の中、独自の糸を開発していきました。次の課題はどう品質を理解してもらうかでした。
佐藤さんは世界的に影響力のある人達に商品価値を認めてもらえば、ブランド価値は一気に高められるはずだと思いました。その思いから、様々な個性ある糸で、海外の展示会に積極的に出展していきました。そんな中、イタリアのピッティ・フィラティという大きな展示会で、個性的な糸を展示していたところ、目を留めたのがニナ・リッチのデザイナーだったのです。
彼らに提供したのは、「モヘヤ糸」と呼ばれるものでした。ミシェル夫人が着たニットは、世界で一番細いモヘヤ系の糸で作られていることが特徴です。モヘヤはアンゴラヤギから取れる希少な天然毛。柔らかく、優しい肌ざわりの素材です。佐藤繊維のモヘヤ糸を見たニナ・リッチの担当者はその糸の細さに驚きの声をあげました。
佐藤繊維が提供する特殊糸は1,500種類以上に上り、シャネルなど世界の有名ブランドからも次々と注文が舞い込むようになりました。世界で認められ、日本でもそのブランド力を高めることができました。純利益も5年前の6倍近い水準まで高まることに成功したのです。
文：高橋義則
-
[2011年10月号掲載記事]
Have you ever heard the word “urushi”? Urushi (lacquer) is natural paint made of sap extracted from lacquer trees. Wooden objects coated with lacquer are called lacquerware. The fact that in written English some people refer to lacquerware as “japan,” demonstrates lacquerware’s importance as one of Japan’s most treasured artifacts. Lacquerware “wajima-nuri” produced in Ishikawa Prefecture is well-known.
Born into a family of kijiya (craftspeople who construct the wooden bases) for wajima lacquerware, KIRIMOTO Taiichi, went on to study design at college after graduating from high school. Soon after entering college, Kirimoto was deeply moved by the words of a teacher he held in high regard: “designing is the act of enhancing the quality of people’s lives and making them feel more comfortable.”
Many people still believe that wajima lacquerware is a luxury item. During the bubble years (the economic bubble of late ‘80s Japan), pieces of makie (a technique for drawing a picture or a pattern in lacquer, sprinkling it with gold and silver powder and then polishing it) furniture that were worth over 10 million yen were sold one after another. “Such a situation is not going to last for long, so we should seize the day,” Kirimoto said to his father. But after his father advised him to devote himself to the work at hand, he instead focused on putting the business on a firm footing.
Before long, the bubble economy burst and orders for artistic lacquerware plunged. This prompted Kirimoto to start making lacquerware for everyday use as an “urushi design producer.” But in the traditional world of wajima lacquerware, the general practice is that nushiya (those who produce and sell lacquerware) take orders from customers first, and then pass on those orders to kijiya. Some of the nushiya weren’t pleased with Kirimoto’s innovative methods and stopped ordering wooden bases from him. Kirimoto, however, persisted in his belief that, “urushi can make life more comfortable and convenient.”
Some people say that lacquerware cannot hold hot food and is a pain to take care of. But as long as you don’t pour boiling hot soup into lacquerware or put it in a microwave, there is no problem. All you have to do to take care of lacquerware is wash it in cold or warm water using a sponge with mild detergent. After rinsing it, dry it with a towel. If you discover scratches on your lacquerware after repeated use, you can have it recoated.
One after another, Kirimoto has been coming up with pieces of lacquerware which go beyond the conventional wajima-nuri, including anti-scratch pasta plates, cell phone straps and business card holders. Under the brand name of Wajima Kirimoto, he opened a shop in Kanazawa in addition to the one in Wajima, and also established an online store. There are shops dealing in Kirimoto’s products throughout Japan, including well-established department stores in Tokyo.
In 2007, Kirimoto designed and supervised the production of a small hexagonal box (called Boîte Laquée Wajima) for Louis Vuitton. Further proof that Kirimoto’s products have been gaining a global reputation came when the chairman of a global entertainment company, who has a fondness for Japanese food, ordered a variety of anti-scratch lacquerware from the workshop.
“Since I’m doing things a bit differently, I sometimes find myself isolated within the production area of Wajima,” says Kirimoto. “But when customers embrace my product ideas, it makes me feel so happy and energized.” How can he combine the skills of craftsmen and create lacquerware that consumers will find “necessary in daily life?” Since hearing his mentor’s advice in college, this has been the key issue for Kirimoto.
Wajimakirimoto・Kirimoto Wooden Studio
Text: MATSUMOTO Seiya
[2011年10月号掲載記事]
ウルシという言葉を聞いたことがありますか。「漆」とは漆の木から採れた樹液を集めた天然塗料で、漆を塗って仕上げた木製品を「漆器」といいます。英語で「japan」と書かれることもあるように、日本を代表する工芸品です。石川県でつくられる漆器、「輪島塗」はよく知られています。
輪島塗の木地屋（木地を作る）職人の家に生まれた桐本泰一さんは、高校卒業後、デザインを学ぶために大学に進学します。入学後まもなく「デザインとは、人の生活の質をより高め、気持ちの良い方向に向かわせるための行為」という恩師の言葉に出合い、桐本さんは感銘を受けます。
輪島塗には高級品というイメージが根強くあります。バブル期（1980年代後半の日本で起こった超好景気）には、1,000万円を超える蒔絵（漆に絵や文様を描き、金銀粉を蒔いて研磨する技法）の家具が次々と売れました。桐本さんは「こんな状況は長く続かない。今のうちに手を打とう」と父に話しましたが、「今ある仕事をしっかりやりとげろ」と諭され、足元を固めることに集中しました。
やがてバブルが崩壊し、美術工芸漆器の注文は激減します。桐本さんはこれを機に、日常の暮らしで使う漆器を「漆デザイン・プロデューサー」として提案していきます。しかし、これまでの輪島塗の世界では、まずは塗師屋がお客から受注し、木地屋はその塗師屋から受注するのが一般的です。桐本さんの新機軸を快く思わない塗師屋の中には、桐本さんへの木地発注を控える人もいました。それでも桐本さんは「漆で生活を気持ちよく、便利に」の信念を捨てませんでした。
漆器は熱い食べ物を入れてはいけないし、手入れが大変そうという人がいます。でも沸騰したての汁物を入れたり、電子レンジで使ったりしなければ問題ありません。手入れは水や湯で中性洗剤をつけたスポンジを使って洗い、すすいでからタオルなどで拭き取ればいいのです。長く使って痛んできたら、塗り直してもらうことができます。
桐本さんは、これまでの輪島塗の枠を超えた漆器を次々とプロデュースしています。傷がつきにくいパスタ皿、携帯ストラップ、名刺入れなどです。「輪島キリモト」のブランドで、輪島だけでなく金沢やオンラインショップに出店。桐本さんの商品を取り扱う店は、東京の老舗デパートをはじめ全国各地にあります。
2007年にはルイ・ヴィトン社から漆塗り六角小箱の注文を受け、桐本さんがデザインと製造監修を担当しました。日本食の好きな世界的エンターテイメント企業の会長から傷つきにくい漆器を多種類受注するなど、桐本さんの商品は世界へ広がっています。
「私は輪島産地の中では独特の動きをしているので、孤立することもありますが、お客様への商品提案が受け入れられるととてもうれしく元気になります」と桐本さんは話します。職人たちの技をどのように集結し、消費者に「生活に必要」と感じてもらえる漆器を生み出すのか。大学で恩師の言葉を聞いて以来、それが桐本さんの永遠のテーマです。
文：松本誠也
-
[From September Issue 2011]
TORIGOE Shuntaro
TORIGOE Shuntaro is one of Japan’s best known journalists. He’s also known for his work as a TV anchor and commentator. Torigoe, who’s been called an “artisan of news,” was diagnosed with colorectal cancer five years ago. Though shocked, his journalistic spirit made him decide to leave an objective record of his experiences a cancer patient behind.
Torigoe recalls that period. “Up until then, books on cancer were written by either doctors as specialists or by patients describing their feelings. After I was diagnosed with cancer, I became curious about what goes through people’s minds when they find out they have cancer, what kind of problems they face during treatment and what members of their family think.”
Torigoe was born in Fukuoka Prefecture. He joined the Mainichi Newspapers Co. Ltd. after graduating from the Kyoto University. After working in the Social Affairs Department and doing a stint in Tehran as a correspondent, he became editor in chief of the weekly magazine “Sunday Mainichi.” He left the company in 1989 to work for TV.
He encountered all kinds of dangers while reporting. In 1984, at the height of the Iran-Iraq War, there were rumors that Iraq was using chemical weapons on the frontlines. One day, the Tehran bureau of Mainichi Newspapers received an invitation to enter the war zone from the Ministry of Islamic Clerics. Other media companies shrank from such a dangerous assignment. In the end, Torigoe was the only Japanese journalist who accepted the invitation.
The place was quite literally a frontline where Iraqi fighters often came and dropped bombs. Torigoe says he thought, “I shouldn’t have come. My curiosity is going to get me in trouble after all.” He met with danger numerous times on other war fronts, too, but he always came out unscathed. So he used to consider himself a man with luck on his side.
In the summer of 2005, something unexpected happened. He suddenly lost his taste for beer, a drink he had previously liked so much. He then found blood in the toilet bowl. He consulted a doctor at a hospital. He saw his own cancer on the endoscope’s monitor. It was the beginning of his fight with cancer.
In the last five years, Torigoe – a stage IV patient – has gone through treatment, experienced metastasis (the spread of cancer) and was operated on four times. But he’s got a positive outlook. He’s a member of an athletic club. Even though he’s 70 and a cancer patient, his work output has tripled.
The book “Cancer Patient,” about his cancer and life, was recently published. The tale, which is an account of his mood swings during the cancer’s progress, his family, work, hopes and “will to live” despite being a cornered man, has struck a chord with readers.
TORIGOE Shuntaro Official site
[2011年9月号掲載記事]
鳥越俊太郎さん
鳥越俊太郎さんは、日本を代表するジャーナリストの一人です。テレビのキャスターやコメンテーターとしても知られています。「ニュースの職人」という肩書がつく鳥越さんに、5年前、大腸がんが発見されました。鳥越さんは衝撃を受けますが、ジャーナリスト魂からがん患者としての自分を、客観的に取材対象者として記録を残すことを決意します。
鳥越さんは、「従来のがんに関係する本は、医者が専門家として書いたか、患者が自分の気持ちを書いたものでした。私はがんと診断されたあと、人間は自分ががんだとわかったときに、何を考え、治療ではどのような問題があるのか、家族はどう思うのか、という好奇心も湧きました」と、その時の心境を語ります。
福岡県に生まれた鳥越さんは、京都大学卒業後、毎日新聞社に入社します。社会部、テヘラン特派員を経て、総合週刊誌「サンデー毎日」の編集長になりました。退社後1989年に活動の場をテレビに移します。
鳥越さんは、取材を通じてさまざまな危険に見舞われます。イラン・イラク戦争が最悪の事態を迎えていた1984年、イラクが最前線で化学兵器を使っているらしいという情報が流れていました。そんなある日、毎日新聞テヘラン支局にイスラム指導省から戦場への招待状が届きました。危険な取材に各社はしり込みし、結局、招待を受けた日本人記者は、鳥越さんだけでした。
そこは文字通り最前線で、イラク軍の戦闘機がたびたび飛んできて、爆弾を落としていきました。鳥越さんは、「来なければよかった。オレはやっぱり好奇心に足をとられることになるんだな」と、後悔したと言います。その他の戦場でも何度も危ない目にあいましたが、無事でした。そんなこともあり、鳥越さんは「オレはついている男だ」と思っていました。
2005年の夏、異変が起きました。大好きなビールがおいしく感じられなくなったのです。そして、便器の中が血で赤くなるようになり、病院で診断を受けます。鳥越さんは、内視鏡のモニター画面を見ながら自らのがんを目撃します。それは、がんとの闘いの始まりでした。
それから5年、ステージⅣのがん患者の鳥越さんは、治療、転移の中で4回の手術を受けました。しかし、スポーツジムに通うなどポジティブに生きます。がん患者となり70歳を迎えた鳥越さんの仕事は、以前に比べ3倍も増えました。
最近、鳥越さんが綴ったがんの記録、生き方をまとめた「がん患者」が発売されました。がん進行中の揺れる心、家族のこと、仕事のこと、希望など人間が追い詰められたときの「生きる力」が共感を呼んでいます。
-
[From August Issue 2011]
At Takarazuka City, Hyogo Prefecture, on the sandbank of the Muko River, the kanji character for life (sei) has been created using piles of stones. ARIKAWA Hiro, a novelist living in the city, says that this art installation inspired her to write the novel, “Hankyu Densha” (the Hankyu Line). The beginning of the novel contains a description of how this kanji character comes into view just as the train is crossing a bridge over the Muko River.
This kanji character was created in 2005 by modern artist OHNO Ryohei, who was born and still lives in Takarazuka City. Ohno says, “On the tenth anniversary of the Great Hanshin-Awaji Earthquake, I was planning an art exhibition on the theme of “reproduction,” and I was wondering if there was any place outside the venue where I could express this concept. It was then that I thought of this place. The fact that there was a big river with a beautiful sandbank flowing through the middle of the city really made an impression on me and I decided to create the character “sei” in order to offer up prayers for the dead.
In 2006, the river swelled and the installation disappeared. But in 2010, when “Hankyu Densha” was made into a movie, it was decided that the artwork would be reproduced in cooperation with volunteers, including students from Takarazuka University (Ohno’s alma mater), local residents and children. UEOKA Hidehiro, assistant professor at the art and design department of Takarazuka University, who also participated in the effort along with the students, says: “The sandbank was overgrown with grass that reached the tops of our heads, so it was really hard work to cut it back. The students were all working silently, carrying the cut grass across the river in high boots. Since they had already developed mental and physical strength through creating their own works of art, I think they were able to toil away without too much difficulty.
Ueoka says that, starting with the largest, he put his heart and soul into piling up stones one by one. “At the time of the Great Hanshin-Awaji Earthquake, I was buried alive for three to four hours under the beam of a Japanese-style house,” he says. “Because of this experience, as I added each stone, I thought about those who had died.” The huge art installation, measuring about 20 meters long and 10 meters wide, was restored in December 2010 with the help of a total of 100 volunteers.
This art installation was much talked about after it was shown at the ending of the film, and was also featured in “Masashi to Yuki no Monogatari” (The Story of Masashi and Yuki), a spin-off TV drama taking the theme of the letter “sei.” The installation was also featured in various media, including newspapers and TV. Having received a lot of attention as a new tourist attraction in Takarazuka City, the big character vanished again last April, when the water rose.
Ohno continues, “It was sad, but it makes us want to cherish moments that have disappeared. From the outset, rather than using concrete, I decided to use materials that would harmonize with nature. Every tangible thing disappears eventually, but I think the feelings of those who piled up the stones will surely remain. This time, the installation was filled with so many people’s emotions that it became a piece of art that captivated the hearts of even more people than the last one.”
By popular demand, a movement to reproduce the character “sei” has begun again. Ohno says, “From Takarazuka, which has recovered from a disaster, we would like to send the victims of the Great East Japan Earthquake the message that it is possible to reproduce what has been washed away.
Photos courtesy of the Project to Reproduce the Character “Live”
Text: KAWARATANI Tokiko
[2011年8月号掲載記事]
兵庫県宝塚市武庫川の中洲に、石を積んで造られた「生」という文字がありました。市内在住の小説家、有川浩さんは、このオブジェを見て創作意欲がわき、小説「阪急電車」を書くきっかけの一つになったといいます。武庫川にかかった鉄橋を渡るときに、ちょうどこの文字が見える様子が、小説の冒頭に登場しています。
この文字は、宝塚市で生まれ現在も在住の現代美術家、大野良平さんが2005年に造りました。「阪神・淡路大震災から10年目に、再生というテーマの美術展を企画していて、会場のビルから出た表現をできる場所はないかと考えていたんです。そんなときにこの場所を思いつきました。街の中心に大きな川が流れていて、きれいな中洲があることに新鮮な感動を覚え、鎮魂の想いを込めて『生』の文字を造ることにしました」。
2006年に川の増水で消えてしまいましたが、2010年「阪急電車」の映画化をきっかけに、大野さんの母校でもある地元の宝塚大学の学生や住民、子ども達などボランティアの協力で再現することになりました。学生と共に参加した宝塚大学造形芸術学部助教、上岡秀拓さんは、「中洲には身の丈ほどの草木が生い茂っていて、刈り取る作業が大変でしたね。長靴で川に入って、刈り取った草を向こう岸へ運ぶ作業を学生達は黙々とやりました。普段、芸術作品に取り組むための精神力と体力を養っているから、苦労と思わずにがんばれたのだと思います」。
大きい石から順に積んでいく作業に思いを込めたと上岡さんは話します。「私は阪神・淡路大震災のとき、日本家屋の梁の下敷きになって3～4時間生き埋めになりました。この経験があるので、1個、1個の石に亡くなった人を思って積みました」。縦約20メートル、幅10メートルの巨大なオブジェは、延べ100人のボランティアの手によって2010年12月に完成しました。
映画のエンディングに流れたり、この「生」の文字を題材にした映画のスピンオフドラマ（映画本編とは別に作られた番外編ドラマ）「征志とユキの物語」の映像にもおさめられました。新聞やテレビなど様々なメディアで取り上げられて話題になりました。宝塚市の新しい観光名所として注目を集めていましたが、今年5月の増水で再びなくなってしまいました。
「残念ですが、消えてしまったこの期間も大切にしたいと思っています。元々、コンクリートで固めたものではなく、自然と共存するものをと考えていました。形あるものはいつかはなくなりますが、石を積んだ人達の想いは確かに残ると思います。今回も、たくさんの人達の想いが込められているので、より多くの人の心に伝わる芸術作品になったのだと思います」と大野さんは続けます。
周囲の強い要望もあり、再び「生」の文字を再現する動きが始まっています。「震災から復興した宝塚の街から、流されても再生できるというメッセージを、東日本大震災で被害にあわれた方に向けて送りたいですね」と大野さんは話します。
文：瓦谷登貴子
-
[From July Issue 2011]
TANAKA Keiichi
For those who’d love to draw manga, but aren’t very good at it, the software package “Comipo!,” released in December 2010, is a dream come true. More and more books related to this topic are being published. In April, the software won the Excellent New Technology/New Product Award for Small and Medium-sized Businesses for its innovation. It’s the talk of the town.
Web Technology Corp’s TANAKA Keiichi who planned and produced this software, is also a professional cartoonist who’s created five manga series for magazines. These days more and more cartoonists produce their work on computers. But Tanaka is a member of the old school and prefers to draw manga by hand.
The reason why Tanaka created Comipo! was that he saw that images and speech bubbles are the basic components of manga. “What cannot be communicated with words alone can be understood immediately with images and speech bubbles. Until now, only those who had talent for drawing had that option.” So they developed software with built-in images and frames allowing the user the freedom to create the rest.
Comipo! is very simple to use. First you choose a layout and put characters in it. That’s all. Then you make them pose, change their facial expressions and type in the speech bubbles. The main characters are good-looking girls, but you can “transform” them into, say, old women by changing their hair-do and adding wrinkles. Since the characters are 3D models, you have the freedom to change the point of view; it’s fun to feel as if you are choosing a camera angle for a movie shoot.
When this software was released, other cartoonists gave it a chilly reception. They were afraid of the increased competition and they thought cartoonists should create their own characters. Editors at manga publications believe that someday Comipo! manga will be submitted to their magazines. But they worry whether these easy to create images can be called manga.
However, Tanaka feels this type of reaction is similar to when digital music first came on the scene. Some complained that sounds made without real musical instruments couldn’t be considered music. “Hand-drawn manga and those created by Comipo! have completely different merits. Hand-drawn manga will still be around even if Comipo! becomes the norm in the future.”
Because of its capacity to illustrate points visually along with speech bubbles, Comipo! is used for business applications such as presentations and product explanations. To revitalize the local economy, the city of Miyoshi in Hiroshima Prefecture used this software on its yuzu-ponzu (citrus-based sauce) packaging. Based on the philosophy that Comipo! is just a tool. Each work will have a personal touch despite the similarity of images and the copyright of the images created using Comipo! belongs to the creator entirely.
The scenes are limited basically to schools and the characters are mainly good-looking girls, so so far, users are mostly male. The software still has many challenges to meet, such as attracting more female users by offering a wider variety of images. But there are already some user communities who exchange 3D creations or image data. An English version will be launched this summer. How will the tool be utilized by overseas users who are only used to reading manga? New developments are expected.
Text: ICHIMURA Masayo
[2011年7月号掲載記事]
田中圭一さん
絵が苦手でもマンガが描ける……そんな夢をかなえるソフト「コミPo！」が2010年12月に発売されました。関連本も続々と発売され、今年4月にはその斬新な発想が評価されて中小企業優秀新技術・新製品賞を受賞するなど、話題となっています。
このソフトを企画、製作したのは、コミPo！発売元のソフト制作会社、株式会社ウェブテクノロジ・コムに勤める田中圭一さん。田中さんは5本の連載を持つプロのマンガ家でもあります。近年、パソコンを使って作品を仕上げるマンガ家が増えていますが、実は田中さんはアナログ派。いまも手書きでマンガを描いています。
そんな田中さんがコミPo！を企画したのは、ビジュアルと吹き出し、というマンガの基本要素の持つ力に着目したためです。「文章だけでは伝えきれないものが、絵と吹き出しにすると、すっと頭に入っていく。でも、その手段が取れるのは、いままでは絵心のある人だけだったんですよね」。そこで絵とコマを用意し、あとは作り手が自由に作れるソフトを開発したのです。
コミPo！の使い方はとても簡単です。まず使いたいレイアウトを選び、そこにキャラクターを配置する。それだけです。あとはポーズをつけたり、表情を変えたり、吹き出しに文字をいれたりします。美少女がメインキャラクターではありますが、髪型を変更したり、顔にしわをつけることでおばあさんに「変身」させることもできます。キャラクターは３Dモデルなので、自由に角度を変えて表示することができ、まるで映画の中のアングルを決めているかのような楽しさを味わうこともできます。
このソフトが発売されたとき、ほかのマンガ家たちは比較的冷ややかに反応しました。ライバルが増えるのではないか、という恐れや、そもそもマンガというのはキャラクターを自分で描き起こすものではないのか、という反感を抱いたのです。マンガ誌の編集者も今後、コミPo！で描いたマンガが持ち込まれることを想定はしているものの、「誰が描いても同じ絵」ということがそもそもマンガなのか、と悩んでいます。
しかし、田中さんはこうした反応はデジタル音楽が誕生したときに、本物の楽器を使っていない音なんて音楽ではないという反発が起きたのと同じような現象だと感じています。「手書きマンガとコミPo！で描かれたマンガの良さは全く別物。今後コミPo！が主流になったとしても、手書きのものは存続するはずです」。
コミPo！は、ビジュアルと吹き出しという強みを生かして、プレゼンテーションや商品説明といったビジネスシーンでも利用されています。広島県三次市では、町おこしのため名産のゆずポン酢のパッケージ作成にこのソフトを使用しました。「コミPo！はただのツール。同じ絵柄でも作者ごとに個性がある仕上がりになる」という考えのもと、コミPo！で作成された画像の著作権はすべて作者に属することになっています。
現在はシチュエーションが学園中心で、キャラクターも萌え系美少女が主流と限られていることから、主なユーザーは男性です。今後は絵柄のバリエーションを増やして女性ユーザーを取り込んでいく予定です。すでに、ユーザー同士で自作の３Dアイテムや画像データを交換しあうなど、独自のコミュニティーも発展しています。今夏には英語版も発売される予定。これまで見るだけだったマンガを、海外の人がツールとしてどう使うのか。また新たな広がりが期待されます。
文・市村雅代
-
[From June Issue 2011]
katakana
Opened in October 2010 and located in Jiyugaoka, Setagaya Ward, Tokyo, “katakana” is the name of a “souvenir shop that sells everything cool from across Japan.” “We call it a souvenir shop because we want our customers to shop lightheartedly for their friends and for themselves, even if it’s for something simple like a pen,” explains KAWANO Junichi, a store representative, who adds that katakana is really more of a sundries shop that offers quality Japanese items than it is a real souvenir shop.
The shop was named katakana after a part of Japan’s mixed writing system. The connection is that katakana is “a type of character made by arranging existing kanji, which originally came from China,” and which symbolizes the modern Japanese lifestyle of continuously adopting parts of other, foreign cultures. In fact, every item the shop sells is something used daily in Japan. However, katakana forgoes stocking other typical stylish Japanese sundry items such as washi (high quality Japanese paper) and traditional lacquer ware.
On display are items ranging from a 60-yen erasers to jackets costing tens of thousands of yen. Kawano chose each store item himself using the simple criteria of, “Is it worth the price?” and “Will it still be usable after ten years?” Having previously worked in the apparel industry, he doubted the tendency to quickly rotate items at low prices just to follow seasonal trends. So instead, at katakana he decided to have stock that carried “constant value,” choosing items with importance, at reasonable prices and with enduring design appeal.
Of course, they do also sell traditional crafts, but only on the condition that such items fit with modern Japanese life and can be comfortably used. For instance, Kawano stocks “mage-wappa,” an old-style lunch box made by bending thin cedar boards from trees grown in Akita Prefecture, because of the good taste it brings to rice once placed inside. Although rather expensively priced at 9,450 yen, he decided to sell it because he judged its overall value to be worth it.
The shop doesn’t overtly advertise selling items “collected from around Japan,” but Kawano says that “I would be thoroughly glad if our customers just think that our shop is selling attractive items.” He adds, “If they happen to notice that everything is conceptualized here and end up feeling that Japanese goods are of quality, then that’s fine too.”
Items sold at the shop are also well-received by non-Japanese who are looking for quality indigenous goods. Although Kawano has ideas about opening shops overseas sometime in the future, his first goal is to make katakana the hub of Japan’s sundries community. With Tokyo being the city where most people from around Japan gather, he wants to use his advantageous location to fulfill his dream of “Making our shop a place where people from around the country can introduce their local items, a place where good things from around Japan meet.”
Text: ICHIMURA Masayo
[2011年6月号掲載記事]
カタカナ
「カタカナ」は2010年10月に「日本のかっこいいを集めたおみやげ屋さん」として自由が丘（東京都世田谷区）に誕生しました。「おみやげ屋さんとしたのは、おみやげのようにペン1本からでも気軽に友達や自分へのプレゼントとして買ってもらいたいからです」と語るのは代表の河野純一さん。ここはみやげ物店ではなく、良質な日本の雑貨を集めたお店です。
店名は日本語のカタカナからとりました。「中国から伝わった漢字をアレンジして作り出した文字」つまり「カタカナ」が、海外の文化を取り入れて成立している現代日本の生活スタイルを象徴していると考えたからです。実際、店内にあるのはいまの日本人が日常的に使っている品ばかり。「日本の雑貨」から連想されるような、和紙や漆を使った和風の物はほとんどありません。
お店には60円の消しゴムから数万円のジャケットまでさまざまな品が並びます。そのいずれも河野さんが「値段はその商品に見合っているか」「10年後も使えるか」を基準に選んだものです。河野さんはもともとアパレル業界で働いていたのですが、季節ごとに商品を入れ替えるため、早く、安く商品を回転させることに疑問を抱いていました。そこでカタカナでは「ゆるぎない価値観」で勝負しようと考え、適正価格かどうか、長く使っても飽きないデザインかを重視して商品を選んでいるのです。
使い心地がよく、現代の日本の生活にもなじむものであれば、伝統工芸品も扱っています。たとえば、「曲げわっぱ」という秋田杉の薄い板を曲げて作った昔のお弁当箱は、河野さん自身、ご飯がおいしく食べられることに驚いたもの。9,450円からと値段は少々高めですが、その価値はあると判断して販売しています。
「日本のものを集めた」ということは、実は店内では特に語られていません。「魅力的な商品がある店だと思ってもらえればいいんです。その上で、置いてある商品が日本のものだと気がついたときに、やっぱり日本のものっていい！と思ってもらえれば」と河野さんはそのわけを語ります。
店の商品は、日本の優れた商品を求める外国人客からも人気で、将来的には海外にも店舗を持ちたいと河野さんは考えています。しかし、まずはカタカナを日本の雑貨のコミュニティーの拠点にしたいと思っています。東京には日本全国から人が集まってきています。その地の利を生かして、「地方から来た人が地元の物を紹介し合うような、日本全国のいいものが集まる場にしたい」と望んでいます。
文・市村雅代
-
[From April Issue 2011]
Hanakobo
Japanese Hairpin Artistry, ARAKAWA ToshioARAKAWA Toshio runs Hanakobo, an ornamental hairpin and hair accessory manufacturing and sales company located in Tokyo’s Adachi Ward. These are Japanese-style accessories all hand made by Arakawa himself, that are worn by young girls and women in kimono on such occasions as the Seven-Five-Three Festival celebrating children’s growth, the coming-of-age ceremony and for school graduations, as well as weddings and Japanese dance recitals.
From the age of 18 Arakawa studied accessory design for two years at a technical college, and after graduating, he trained at his father’s studio. “Technically, I was training there, but my father didn’t really teach me anything, so I learned the skills by closely watching and copying the way he did it,” he recalls. Going independent in 1992, Arakawa began to work with hairpins and hair accessories made of plastic materials.
While expensive materials such as ivory and tortoiseshell are often used for hairpins, Arakawa uses plastic, which is easier to obtain and helps reduce each item’s retail price. He thinks that “the most important thing is to establish the trade as a business and continue to grow it, rather than merely pursuing artistic beauty.” “Although acrylic and acetate are both plastic, their wholesale prices are different and one is easier to process than the other,” explains Arakawa, who chooses different types of plastic depending on the item’s design and its production budget.
“Basically, my works features the beauty of nature throughout the seasons, such as chrysanthemums in autumn or snow in winter,” explains Arakawa, who draws all the designs himself. He mostly deals with other businesses and the distributed items are then sold at kimono stores, beauty parlors and variety shops. Arakawa, who sometimes get requests to create items for foreign brands, says, “I design the items so that they can also match Western-style clothing. That’s why they are also so well received by young people who don’t wear kimono.”
In recent years, he has also unexpectedly expanded his “business overseas.” “When my niece studied in Britain, she took my hairpins as souvenirs for local people and they liked them more than expected,” he recounts. “Then, on my nephew’s recommendation, I started showing my work for some years at an exhibition in Los Angeles where traditional Japanese culture was being introduced and that led to our items being sold in the Singapore Changi International Airport.”
Furthermore, last September special hairpins commemorating the 35th anniversary of the birth of Hello Kitty, a world-famous, original Japanese character, started to sell. “When I was asked to incorporate Hello Kitty into my traditional craft, I tried to create a design which would appeal to people from a wider age group, a design most suitable for a character loved by all generations,” he says.
Arakawa’s plan is simple. “I would like to take advantage of this opportunity to actively spread the charm of my handmade hairpins and hair accessories overseas,” he says. “More and more individuals are buying our items over the Internet, so I would like to further enhance our product line and services.” Presently, Arakawa is hard at work creating new hairpins and hair accessories that feature seasonal plum and cherry blossoms.
[2011年4月号掲載記事]
華工房
かんざし職人 荒川 敏雄さん荒川敏雄さんは、東京都足立区でかんざしや髪飾りなどを製造、販売する華工房を経営しています。ここで作られる和風アクセサリーは、すべて荒川さんの手作りです。女の子や女性が和服を着るときに身につけるもので、子どもの成長を祝う七五三や成人式、学校の卒業式、結婚式や日本舞踊の発表会などで使われます。
18歳から2年間、荒川さんはアクセサリーのデザインを専門学校で学び、卒業後は父親が営んでいた工房で修業しました。「修業といっても、父親は何も教えてくれませんでしたから、見よう見まねで技術を習得しました」と振り返ります。1992年に独立し、プラスチック素材を使ったかんざしや髪飾りなどを手がけるようになりました。
かんざしなどの素材は高価な象牙やべっ甲が有名ですが、荒川さんは手に入りやすく販売価格も抑えられるプラスチックを使います。「芸術性よりもビジネスとして成立させ続けることが第一」との考えです。しかし、「同じプラスチックでもアクリルとアセテートだと、仕入れ値も加工のしやすさも違います。デザインや予算によって使い分けます」と言います。
デザインから荒川さん自身が描きますが、「基本は秋なら菊の花、冬なら雪といった四季の自然美です」と説明します。業者との取引が中心で、卸した製品は着物店や美容室、雑貨店で販売されています。海外のブランド商品として製作を頼まれることもあり、「洋服にも似合うようにデザインするので、和服を着ない若者にも受けています」と言います。
また、思いがけず近年は「海外進出」も果たしています。「イギリスに留学している姪が、現地の人たちにお土産として私のかんざしを持って行ったら、予想以上に喜んでくれたみたいです。甥の紹介で、アメリカ・ロサンゼルスで日本の伝統文化を紹介する展示会にも数年ほど出品していて、シンガポール・チャンギ国際空港での販売につながりました」。
さらに、日本生まれの世界的キャラクター、ハローキティの誕生35周年を記念したかんざしも、昨年9月に販売を開始しました。「伝統工芸とハローキティをコラボレーションさせる企画を依頼され、あらゆる世代に愛されているハローキティにふさわしく、幅広い年齢層に好まれるようなデザインを心がけました」と話します。
「この機会を活かして、手作りかんざしや髪飾りの良さを積極的に海外にも発信していきたいと考えています。インターネットの個人購入も増えているので、商品やサービスもより充実させたいですね」。今、荒川さんは梅や桜をあしらったかんざしや髪飾りの新商品の製作にとりかかっています。
-
[From March Issue 2011]
Director General of Earth the Spaceship
YAMAMOTO ToshiharuDoctor YAMAMOTO Toshiharu had been dispatched to both West Africa and Afghanistan to work as a doctor. While stationed there, his personal goal was to ensure that the locals could continue to provide medical care among themselves after he and the other staff left, but he gradually began to feel that “there was only so much one doctor could do.” This realization led him to establish a nonprofit organization in 2004 called “Earth the Spaceship.”
The first time Yamamoto visited a foreign country was when he was in the sixth grade of elementary school. “My father, who was an oculist, had to go to South Africa for work, so I accompanied him for about two weeks. It was during the time of apartheid, and when I arrived at the airport, I was shocked to see that the gates for white people were separate from those for colored races,” he recalls. Later, Yamamoto went on to medical college planning to take over his father’s clinic, but because he wanted more control over his own life, he decided to major in both internal medicine and pediatrics.
Working as a doctor after graduation, Yamamoto earned a Doctor of Medicine degree while also engaging in gene therapy research. Before long, he became the Director of the general hospital in Kanagawa Prefecture, but felt conflicted about pursuing this career path, despite deciding to forego the family clinic. It was then that Yamamoto recalled the situations he witnessed in the developing countries he had often visited to take photographs, a hobby he enjoyed even after becoming a doctor.
“Even if an international cooperation organization builds a hospital, once they leave, it just ends up a concrete box,” he says. So he soon left the hospital’s directorship and registered with five international cooperation organizations as a doctor to be dispatched to developing countries. In 2001, he traveled to Sierra Leone, West Africa on behalf of Doctors Without Borders. After that experience, he supplied medical help in five other countries, including Afghanistan.
At present, while continuing to work as a doctor in Japan, Yamamoto spends most of the year on Earth the Spaceship activities. One of its main projects is increasing the number of professionals engaged in international cooperation. “International cooperation tends to be seen as voluntary, but a U.N. or government sponsored program pays over 8 million yen, which is double the average annual income of a Japanese worker. I would like it to be seen as a career path,” he says. In recent years, he has been cooperating with the Ministry of Education, Culture, Sports, Science and Technology in offering special classes at elementary and middle schools to introduce the possibilities of international cooperation offer.
Another ETS project is holding “drawing events” where people around the world draw “the things most important to them.” “Children in Africa draw water, children in Nepal draw schools, and children in Cambodia draw life without war and landmines. Through these drawings, you can see the problems those countries have,” he says, explaining that to date, more than 70 different countries have already participated in this project. “Our goal is to have 200 countries and regions participate,” Yamamoto says.
[2011年3月号掲載記事]
宇宙船地球号事務局長 山本敏晴さん
医師である山本敏晴さんは、西アフリカやアフガニスタンなどで派遣医師をしていました。自分たちが去った後も現地の人たちだけで医療を続けられるようにしたいという独自の目標がありましたが、次第に「一人の医師にできることには限界がある」と感じ始めます。そんな思いから、2004年、NPO法人「宇宙船地球号」を設立しました。
山本さんが初めて外国を訪れたのは小学校6年生のときでした。「眼科医だった父親の仕事の関係で南アフリカに2週間ほど滞在しました。アパルトヘイトの時代で、空港に降りたときから白人用と有色人種用にゲートが分かれていてショックでした」と振り返ります。やがて、父親の医院を継ぐために医科大学に進みましたが、「自分の人生は自分で決めよう」と、内科と小児科を専門に学びました。
卒業後は医師として働く一方、医学博士の学位を取り、遺伝子治療の研究にも励みました。やがて神奈川県の総合病院で院長を務めるようになりましたが、「家業を継がないと決めたのに、このまま終わっていいのか」と悩みました。そんなとき、医師になってからも続けていた趣味の写真撮影で何度も訪れていた発展途上国の実情を思い出しました。
「国際協力団体が病院をつくっても、彼らが去ってしまえばただのコンクリートの箱になってしまう」。院長をしていた病院をすぐに辞め、5つの国際協力団体に派遣医師として登録しました。2001年、「国境なき医師団」の依頼で西アフリカのシエラレオネに渡りました。その後もアフガニスタンなど5ヵ国で医療活動を行いました。
現在も日本で医師を続けながら、一年の大半を宇宙船地球号の活動にあてています。事業の一つは、国際協力のプロを増やすことです。「国際協力は無償と思われがちですが、国連や政府系の場合、日本人の平均年収の2倍である800万円以上が支払われます。職業として知ってほしいです」と語ります。近年は文部科学省と協力して、国際協力を紹介する特別授業を小・中学校で行っています。
世界の人々に「一番大切なもの」を描いてもらう「お絵描きイベント」も、事業の一つです。「水を描くアフリカの子や、学校を描くネパールの子、戦争や地雷のない暮らしを描くカンボジアの子がいます。絵を通じてその国の問題が見えてきます」と説明します。これまで世界約70カ国以上から参加者があり、「目標は200の国や地域です」と話します。
-
[From February Issue 2011]
Kirie Artist, TAKEOKA Kaori
“My first encounter with kirie (Japanese paper cutting) was when I tried it in art class in the fourth grade of elementary school,” says kirie artist TAKEOKA Kaori. “And since then, for the last sixteen years, I’ve been fascinated by and passionate about creating them.” Kaori quit her corporate job last fall choosing to follow the path of a kirie artist. “Kirie is the art of paper cutting, with an emphasis on how beautiful you make the cuts look by clipping designs out of the paper. Since kirie are made by hand, each one is unique so there will never be two identical pieces. I always cherish the warmth that comes from handmade work,” she admits.
As a child Kaori was absorbed in drawing pictures at home rather than playing outside, and she copied anime and manga using her computer. She taught herself both graphic design and kirie, and based her kirie on the computer-generated sketches she created. “Using a utility knife, the kirie-making tool, just came naturally to me,” she says with a smile.
A huge fan of cartoonist TEZUKA Osamu, Kaori was intrigued by the fantastic manga series “Hi no Tori” (Phoenix) and all the beautiful Phoenix drawings. She created a Phoenix kirie and gave it to her grandma as a present, hoping that it would help her live a long time. She also made kirie birthday cards for her friends. “Seeing how pleased they were to receive my kirie made me very happy,” Kaori recalls.
Then in earnest she started learning computer graphics at a vocational school. After graduating, while working for a construction-related company, she also held private kirie exhibitions in her spare time, keeping her kirie-making alive. “When there was a pause in the conversation at a company drinking party, I enlivened the mood by creating a kirie portrait of someone I was talking with. So I would always carry my kirie tools in my bag whenever I went to such parties. For me, kirie is a means of communication through which people can connect with each other,” Kaori laughs.
Recently, she won a prize at an illustration contest hosted by Kodansha Famous Schools, and also made kirie portrait gifts for the winners of the 2009 Best Father Yellow Ribbon Awards (awards given to celebrities chosen as the most fantastic fathers). She has also sent a piece entitled “Sharaku” to an exhibition in Paris. In addition to having private exhibitions at various galleries and cafes, she also holds shows in collaboration with other artists from various fields. Kaori is so skillful that she can finish a kirie portrait using a 10-centimeter-square piece of paper in 10 minutes, without first sketching it out.
Kaori liked the idea of holding live kirie shows. Once, at a jazz bar, wearing a kimono, she completed a kirie that was inspired by the tune being played by the pianist, before the music stopped. Also, at readings of literary works by EDOGAWA Ranpo and TANIZAKI Junichiro, she created kirie inspired by the novels, as they were being read.
“When I was working at a company, I was unhappy about not feeling the immediate results of my work. But with kirie, I can feel the response from the spectators on the spot. When I’m making kirie, I can be most like myself and shine with radiance,” she says, about the joy of having become a kirie artist. “My dream is to hold an exhibition in New York and introduce the beauty of Japanese tradition to the world through kirie.”
Text: HATSUDA Sachiyo
[2011年2月号掲載記事]
切り絵師 武岡香織さん
「切り絵との出合いは小学校４年生の、図工の授業でした。以来16年間、切り絵にみせられて情熱を注いできました」と切り絵師の武岡香織さんは話します。昨年の秋、会社勤めを辞めて、切り絵師の道を選びました。「切り絵はカッターナイフで切った切り口をいかに美しくみせるか、どんどん紙を切って取り除いていく、紙を切る芸術です。切り絵は手で作るので二度と同じ作品は生まれません。手作りのぬくもりを大切にしています」。
香織さんは子どもの頃は外で遊ぶより家で、アニメや漫画を真似てコンピューターを使って絵を描くことに夢中でした。CG（コンピューターグラフィックス）と切り絵は独学で学び、CGで描いた下絵をもとに切り絵を作りました。「切り絵の道具に使うカッターナイフと相性がよかったみたいです」とほほえみます。
漫画家・手塚治虫に憧れ、漫画「火の鳥」のファンタジックなストーリーと火の鳥の美しい絵にひかれました。火の鳥を切り絵にして、祖母に「どうぞ長生きしてね」とプレゼントしたことがあります。また、友達の誕生日には切り絵の誕生日カードを作りました。「切り絵をみんなが喜んでくれる顔がとてもうれしかったです」と振り返ります。
その後、専門学校ではCGを本格的に勉強し、卒業後は建築関係の会社に勤めながら、切り絵は個展を開いたりしてずっと続けていました。「会社の飲み会で会話が途切れると、相手の似顔絵の切り絵を作り、場を盛り上げました。飲み会に行くときは、鞄には切り絵の道具をいつも入れていました。切り絵は人と人をつなぐコミュニュケーションの道具です」と笑います。
最近は講談社フェーマススクールズ「イラストコンテスト」に入賞し、2009年度ベスト・ファーザー イエローリボン賞（『素敵なお父さん』とされる著名人を表彰）を受賞した人たちに似顔絵の切り絵を贈りました。そして、パリの展示会には「写楽」を出品しました。ギャラリーやカフェの個展をはじめ、さまざまな分野のアーティストと共同で展示会を開いています。10センチ角の紙の似顔絵は下絵なしで、10分で仕上げることができます。
香織さんは切り絵ライブショーのアイディアを思いつきました。ジャズバーで、ピアニストが演奏する曲をイメージした切り絵を、着物姿で立ったまま、曲が終わるまでに完成させます。また、江戸川乱歩や谷崎潤一郎の文学作品の朗読会では小説を題材にした切り絵を、朗読している間に完成させました。
「会社組織のなかでは仕事の成果がすぐには伝わってこないジレンマがありましたが、切り絵はその場で相手の反応を感じることができます。切り絵を作っているときが、いちばん自分らしく、いきいきと輝くことができます」と切り絵師になった喜びを語ります。「ニューヨークで個展を開くことが夢です。切り絵を通して世界に日本の伝統美を紹介したいです」。
文：初田幸代
-
[From December Issue 2010]
Kimono Panel Artist
Crystal MOREYOriginally from Dallas, Texas, USA, Crystal MOREY, who has been living in Tokyo for the past 13 years, only began creating her kimono-art in 2001.
“I feel that kimonos should be displayed, so I started piecing them into panels,” she says. “In Japan, kimonos are no longer worn very often, and the more beautiful silks are only brought out on special occasions – the rest of the time they just sit in closets,” laments this part-time artist and full-time owner/operator of a small Japanese publishing company focusing on Japanese-inspired tattoo art and design books.
Morey collected kimono and wanted to display them so that others could appreciate the skill and craftsmanship involved in their design. “I wanted to find a way to bring them into the public eye, without sacrificing the enormous wall space that hanging an entire kimono requires,” she explains.
For her panels she uses more than just kimonos. In fact, Morey regularly scours Tokyo’s vintage clothing stores, while also making special trips to Kyoto, in search of silk, wool, rayon, antique furoshiki (traditional Japanese wrapping cloth used to transport clothes, gifts, or other goods) and tenugui (a thin Japanese hand towel made of cotton). She says that the process, while seemingly simple, does take some practice, skill, and a good eye.
“The most difficult task is piecing the fabric together – the colors must compliment one another and so must the patterns. Cheaper materials stretch and their colors become compromised. Embroidered materials look amazing but are really difficult to work with because they mess up my straight lines. Slippery silk can also be a nightmare! Each piece is really like a huge puzzle, but once solved, the construction part is easy,” she confides.
Depending on the labor and materials involved each art-panel takes roughly two weeks to complete, and retails for between 10,000 yen and 50,000 yen. Commissioned pieces, her favorite projects, cost more because of the specificity of the request. But these days, she is so busy that there is a six month waiting list for her work.
So how do traditional Japanese people feel about her kimono panels? “I honestly wasn’t sure how they would respond. Kimonos are an art form in and of themselves and I wasn’t sure if they would appreciate me cutting them up! But I showed my work at Design Festa in 2008, and their uniqueness was well received. I got loads of positive feedback,” she beams, adding that at that time a gallery in Chiba bought one for display, while a Kyoto-based interior design company contacted her about selling them as well. Now, Morey holds exhibitions in and around Tokyo, across Japan, and as far away as Australia, the USA and Europe.
Crystal MOREY
Photos: Seishiro Jay TOMIOKAText: Stephen LEBOVITS
[2010年12月号掲載記事]
キモノ・パネルアーティスト
クリスタル・モリーさんアメリカ・テキサス州ダラス出身のクリスタル・モリーさんは、13年前から東京に暮らしています。2001年から着物アートの創作を始めました。
「着物はもっと人の目にふれるべきだと思います。それで、着物をパネルにつぎはぎをしてみました」とモリーさんは話します。「日本では、着物はあまり着られません。すごくきれいな絹物なのに、たんすから出されるのは特別な機会だけで、後はしまわれたままなのです」と嘆きます。モリーさんはアーティストは副業で、本業は日本的なタトゥー・アートとデザインの本に特化した小さな出版社のオーナーであり、オペレーターです。
モリーさんは着物を集め、そのデザインに使われている技術や技巧を人々が楽しめるような展示をしたいと思いました。「着物全体をつるすのに必要な広い壁を使わずに世間の目にふれさせる方法を見つけたいと思いました」と説明します。
パネルには着物以外の物も使います。実際、定期的に東京の古着店を探して回ったり、わざわざ京都まで行って、絹、ウール、レーヨン、アンティークの風呂敷（衣服や贈り物など品物を持ち運ぶときに使われる伝統的な日本の布）や手ぬぐい（薄い綿で作られた日本のハンドタオル）を探したりもします。モリーさんは一見簡単そうな工程にも経験や技術、見る目が必要だと言います。
「最も難しい作業は織物をつぎはぎする部分です。色は互いに引き立て合わなければならないですし、柄もそうです。生地は安いほど伸びますし色も変わります。刺しゅうした生地は、見た目は素晴らしいですが、作業するのは本当に難しいです。だって私の引きたい直線の通りになりませんからね。つるつるした絹は最悪です！ 布の一枚一枚がまさに大きなパズルのようですが、一旦パズルが解ければ、組み立て作業は簡単です」と明かします。
手間がかかるうえ、材料も選ぶので、アート・パネル1枚につき、完成までおよそ2週間かかり、小売り価格は1～5万円になります。特注品はモリーさんの好きな仕事ですが、特別な注文内容のためもっと高額になります。しかしこのごろは、とても忙しいために6ヵ月待ちになっています。
ところで、伝統を重んじる日本人は着物パネルについてどう感じているのでしょうか。「正直言ってどんな反応があるかわかりませんでした。着物は日本の、日本人自身の芸術的な姿で、私が切り刻んだものが受け入れられるかどうかわからなかったんです。でも2008年のデザイン・フェスタに作品を出したら、そのユニークさが受け入れられました。たくさんの肯定的な反響がありました」とモリーさんはほほえみます。と同時に、千葉の画廊が展示用に1点買い上げ、また、京都を拠点とするインテリア・デザイン会社が買いたいと連絡してきたと付け加えました。今では、彼女は東京、日本全国、そして遠くはオーストラリア、アメリカ、ヨーロッパで展覧会を開いています。
クリスタル・モリー
写真：セイシロウ・ジェイ・トミオカ文：ステファン・リボビッツ
