• なりたい自分になれる魔法「なりきりメイク」

    [From July Issue 2014]

    Trends are sometimes born when fans try to recreate the hairstyles or clothing of the TV and movie stars they idolize. Now the latest boom, which got underway via social media, is for “makeovers that transform you into a celebrity.”
    Using makeup techniques, these total makeovers transform your face so that it resembles the celebrity you’d like to become. Many people upload photos of their makeovers onto Twitter and Facebook or outline the makeup process on videos shared on video sites. After sharing their knowhow, those producing high quality makeovers have evaluated and gained popularity, so that some have even published books.
    KAJI Eriko is one of those people. She’s been interested in makeup since childhood and began doing makeovers in her senior year in high school. She shared her photos on her blog and rounded off 2012 by choosing 24 of the best of her celebrity imitation photographs she’d done that year for a compilation. Her blog was retweeted many times and the term “mane meiku” (get the look makeovers) became a No. 1 trend word. This led to appearances on TV and in magazines. She’s published two makeup books so far.
    HANAFUSA Miyako who works in the editorial department at Takarajima, says, “The book ‘Mane Meiku Recipe’ shows how to do your makeup to resemble 32 different celebrities – including KITAGAWA Keiko and Rola – that are popular with women. Special makeup tools aren’t necessary. These (looks) can be easily achieved with what you have to hand. Readers’ comments have included: ‘I was told I looked just like the entertainer’ and ‘Just browsing through (the photos) is fun.’
    Total makeovers have even branched out into CSR (corporate social responsibility activities). Meiji Sangyo Co., Ltd runs a CSR activity for women called “Ah! Meijingu Club” (Amazing Club) under the tagline: “Making myself and my town beautiful!” One of the themes they’ve adopted is ‘trends’ and the seventh and most recent group to be founded is the “Total Makeover ☆ Fukuoka Star Club.”
    Club captain NAGASUE Yuki says, “Fukuoka is a city that many people have moved to either because of job relocation or because of the effects of the earthquake. Our intention is to provide an environment where they can mix with locals. Total makeovers are quite popular, so when we advertised to recruit members, there were five times more applicants than the spaces we had to fill. When we held a party to show off our work, everyone had such a good time and got so excited that we burst out laughing many times. Our members get along together very well and keep in touch.”
    A characteristic of this trend for total makeovers is that many people upload their makeover photos onto social media. Interaction through the Internet is lively as people comment and click ‘like.’

    Text: HATTA Emiko[2014年7月号掲載記事]

    テレビや映画で活躍するスターに憧れて髪型をまねしたり同じ洋服を着たりする行動は、時に流行を生み出してきました。そして今、SNSが発端となって広がっているブームが「芸能人なりきりメイク」です。
    なりきりメイクとは、メイクのテクニックを使ってなりたい芸能人の顔に変身することです。多くの人がTwitterやFacebookに写真をアップしたり、メイクの過程を動画サイトで公開したりしています。そのやり方を共有する中でメイクのクオリティーの高さが評価され、人気となり、書籍の出版にまで至ったケースがあります。
    その一人が梶恵理子さんです。子どもの頃からメイクに興味があり、高校3年生のときになりきりメイクを始めました。ブログで写真を掲載していましたが、2012年の締めくくりとして1年間に真似をした芸能人の中から、選りすぐりの24人をまとめた写真を公開。するとTwitterでたくさんリツイートされ、「真似メイク」はトレンドワードの1位を獲得しました。テレビや雑誌に登場するきっかけとなり、これまでに2冊のメイク本を出版しています。
    宝島社編集部の花房美也子さんは話します。「『真似メイク RECIPE』は、北川景子さんやローラさんなど、女性に人気がある芸能人計32名の顔になれるメイク方法を紹介した本です。特別な道具は不要で、手持ちのメイク道具でできます。読者からは『芸能人に似ていると言われた』『見ているだけでも楽しい』という声をいただいています」。
    なりきりメイクは、企業が行うCSR(社会貢献活動)にも広がっています。株式会社明治産業が運営するCSR活動、「あ!めいじんぐ倶楽部」は「わたしも街もキレイになる!」を合言葉にする、女性のための部活動です。トレンドをテーマに取り上げており、最新の第7期が「なりきりメイク☆福岡スター部」です。
    倶楽部キャプテンの永末有希さんは話します。「福岡は転勤や震災の影響で転居してくる方が多い街です。そのため、地域に溶け込めるような場所の提供を心がけています。なりきりメイクの人気は高く、部員公募に5倍の応募が来ました。ショー形式で発表するパーティーを開催したときは皆さんとても楽しんでくれて、大きな笑いがたくさん起きるほど盛り上がりました。部員同士は仲が良く、今も交流が続いています」。
    多くの人がSNSにメイク写真をアップするのが、なりきりメイクの特徴です。コメントをつける、「いいね!」ボタンを押すなど、ネット上の交流も盛んです。

    文:服田恵美子

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  • クリエイターとお客との近さが魅力

    [From July Issue 2014]

    Design Festa
    Design Festa is an art event at which artists get to display or perform their work. Since 1994, the event has been held biannually at Tokyo Big Sight in Koto Ward, Tokyo. No limits are set on age or nationality, and exhibitors include professional and amateur artists. Art of any genre is accepted. There are no auditions or evaluations, so as long as it’s original work, it can be displayed or performed here.
    At Design Festa, a variety of art works and performances are shown. Some people paint pictures on eight-meter-wide canvases, while others deliver collective singing and dancing performances on stage. In a darkened area of the venue works utilizing light and video images are shown. In the outdoor area participants can cook and sell food. There is also a handicrafts section for visitors to enjoy.
    In many of the booths, the items on display are also on sale. At most of the booths the creator is there in person to explain their work to customers. “Design Festa is a place which both exhibitors and visitors can enjoy together. It’s possible to attract many more customers than you would be able to do on your own and through communicating with visitors, new opportunities and possibilities arise,” says ITO Azusa, head of PR for Design Festa, Ltd.
    “We do not divide the space up by genre. The mixture of various art works makes for a chaotic atmosphere, which creates an exceptional space,” says Ito. “Exhibitors are the stars of the event, so we take care to ensure that they feel free to exhibit as they please.”
    “The great thing about Design Festa is that it attracts customers searching for items that don’t appeal to the general public or are extremely unique,” says ASAI Hideo, who has exhibited his work at the event 13 times in a row. Asai is the CEO of Asai Seisakusho, Ltd., a company that makes screws. At Design Festa, they sell accessories made using handmade screws.
    To commemorate the 20th Anniversary of Design Festa, it has been decided that Designfesta, Ltd., will host a new art event – the “All Student Art Festival – Gakuten” – on August 9 and 10. “Gakuten” is a Design Festa for students. Those wanting to participate in the event have to be studying in school, in further education, or in a class. There are no restrictions on age or nationality. Original work of any genre is accepted.
    “I expect that the exhibitors at Gakuten will be younger than those at Design Festa, so we are anticipating a more festive atmosphere,” says MINEO Asahi. Asahi is currently attending a product design course at Nihon Kogakuin Hachioji Campus. Mineo and her classmate TAKENAKA Mizuho are making accessories that combine traditional Japanese patterns with the cute colors and designs seen on items worn around the Harajuku area. “We’re hoping that young people will become familiar with the charm of traditional Japanese patterns.
    “We would like to make a music video and do an installation at Gakuten,” says IZUKI Keito of Amphithéâtre, a student handicraft club from Yokohama National University. “We would like to make a video production featuring these accessories to show while selling our products,” she says.
    Designfesta
    Text: SAZAKI Ryo[2014年7月号掲載記事]

    デザインフェスタ
    デザインフェスタ(デザフェス)はクリエイターたちが作品やパフォーマンスを披露するアートイベントです。1994年から年2回、東京ビッグサイト(東京都江東区)で開催されています。出展者はプロでもアマチュアでもよく、年齢や国籍も問われません。ジャンルも不問です。オリジナルの作品やパフォーマンスであれば、オーディションや審査もなく出展することができます。
    デザフェスには、さまざまな作品やパフォーマンスが出展されます。幅が8メートルのキャンバスに絵を描いている人もいますし、ステージで歌ったり踊ったりするグループもいます。会場の一部は暗くなっており、光や映像を使った作品が展示。屋外のエリアでは、料理を作って売ることもできます。来場者が手芸や工作を楽しめるコーナーもあります。
    多くのブースでは展示するだけでなく、販売もしています。ほとんどのブースにはクリエイター本人がいて、お客に自分の作品を解説します。「デザフェスは出展者が来場者と一緒に楽しめる場所です。個人では集められない数のお客が集まりますし、お客とのコミュニケーションの中から新しいチャンスや可能性が生まれます」とデザインフェスタ有限会社広報担当の伊藤梓さんは言います。
    「ジャンルごとにエリアをはっきりと分けることはしていません。いろいろな作品が混じってカオスな雰囲気になり、非日常の空間になるんです」と伊藤さん。「出展者の方が主役のイベントですから、クリエイターの方がのびのびと出展できるように気を配っています」と語ります。
    「デザフェスのいいところは、一般向けではないアイテムやこだわりのある物を買いたいというお客が来るところです」と、13回連続で出展している浅井英夫さんは言います。浅井さんはねじをつくる会社、有限会社浅井製作所の代表取締役です。デザフェスでは手作りのねじを利用したアクセサリーを販売しています。
    デザインフェスタ有限会社はデザフェス20周年を記念して、今年8月9~10日に新しいアートイベント「万国學生藝術展覧祭~GAKUTEN~」を開くことにしました。デザフェスの学生版に当たるイベントで、出展者の条件は学校、カルチャースクール、教室など、どこかで何かを学んでいる人であることです。年齢や国籍は不問です。作品もオリジナルであれば、どんなジャンルでもかまいません。
    「學展の出展者は、もっと若い人が多くなると思うので、デザフェスよりわいわいとお祭りっぽい雰囲気になるのではないかと楽しみです」と日本工学院八王子専門学校プロダクトデザイン科の峯尾旭さんは言います。峯尾さんと同級生の竹中瑞穂さんは、日本の伝統的な柄と原宿系のかわいい色やデザインを組み合わせたアクセサリーを作っています。「日本の伝統的な柄のかわいさを若い人にもっと知ってほしいです」と竹中さんは話します。
    「學展ではミュージックビデオをつくって、インスタレーションをやりたいです」と横浜国立大学の学生たちの手芸サークル、Amphithéâtreのいづきけいとさんは言います。「アクセサリーを映像作品にして、その映像を流しながら販売するつもりです」と話します。
    デザインフェスタ
    文:砂崎良

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  • 伝統的な着物をドレスに生かす

    [From July Issue 2014]

    Yorozu International
    At Yorozu International in Roppongi, Tokyo, dresses made from kimono cloth and bags put together out of obi material and leather are laid out in rows. When the company was established in Karuizawa in 2010, a store was established in Daikanyama. Because the company wanted people from overseas to become familiar with the charms of kimono, one year ago the shop was moved to Roppongi, an area easily accessible to foreigners.
    MURAKAMI Yuko, the representative director, used to work in the apparel industry. Western clothes were at the center of her life. She says that approximately ten years ago, her husband encouraged her to enroll in a school where she could comprehensively study kimono. In the beginning, she didn’t even know how to fold a kimono. She started out studying how to wear kimono, but afterwards her studies went deeper and she learned about such things as dyeing techniques.
    The more she learned about kimono, the stronger her feeling that “these traditional techniques must be retained.” However, younger people view kimono as being expensive; not something that can be purchased casually. When her husband saw Murakami learning about kimono, he suggested that she establish a business. In order to give more people the chance to come into contact with kimono, she sold products made from repurposed kimono cloth.
    Murakami says that the best thing is when someone enjoys wearing a kimono. However, “When I thought about what should be retained, I thought it should be the colors and patterns of kimono which cannot be found in any part of the world except for Japan.” That’s why she’s not particular about the kimono retaining its form. Rather, she utilizes its patterns to reflect Japan’s four seasons and allows the delicate colors of its natural dyes to come alive in the form of dresses or bags.
    There are other shops that repurpose kimono into clothes, but Murakami has noticed that most of them use Japanese dressmaking techniques for the finish. Because Japanese dressmaking uses boxy fabric, it cannot be made to fit the body when repurposed into western clothes. Kimono fabric is 30 centimeters wide – narrower than western fabric – so Yorozu International is particular about cutting it with three-dimensional shapes in mind. They finely match the patterns, to give them new value as an attractive product.
    In the case of tailor-made dresses, which are basically made-to-order, prices start from 160,000 yen – which is not cheap. However, Murakami says with confidence: “Even though kimono patterns are old, they’re never out of fashion. Once you have it made, it can be something they can be proud of to the next generation.”
    One of the reasons why people have lost touch with kimono is because there are no opportunities to wear them. So Murakami holds a kimono dressing salon four to five times a month. After learning how to dress in a kimono, participants can enjoy a meal in a restaurant around Roppongi while wearing a kimono. Because it’s possible to communicate in English, word has got out and the numbers of foreign visitors have gradually increased.
    The “万” (yorozu) character used by “Yorozu International,” signifies “a great amount.” With this character, Murakami expresses her appreciation of nature and the eight million (countless) forces that created the kimono. Once one touches the smooth texture of the silk kimono cloth, one can feel the fascination of kimono created by these many powers.
    Yorozu International
    Text: ICHIMURA Masayo[2014年7月号掲載記事]

    万インターナショナル
    東京・六本木にある万インターナショナルには、着物の生地で作ったドレスや、帯地と革を組み合わせたバッグなどが並んでいます。2010年に軽井沢で会社を立ち上げ、代官山に店舗を設けました。その後、海外の人にも着物の生地が持つ魅力を知ってほしいと、外国人にもアクセスしやすい六本木へ1年前に移したのです。
    代表取締役の村上裕子さんはかつてアパレル業界で働いており、洋服が生活の中心でした。約10年前、ご主人の薦めで着物のことを総合的に勉強できる学校に通い始めたと言います。最初はたたみ方すらわからず、着付けの勉強から始めましたが、その後染色など着物のことをより深く学ぶようになります。
    着物のことを知れば知るほど「この伝統的な技術は残していかなければならない」という思いが強くなっていきました。しかし、若い人にとって着物は値段が高いイメージがあり気軽に手に取れるものではありません。村上さんが着物を学ぶ姿を見て、ご主人が事業として展開することを提案しました。そこで多くの人に、着物にふれる機会を増やそうと、着物の生地を商品にして新たな価値をつけて販売することにしたのです。
    村上さんは着物を着ること自体を楽しんでもらえればそれが一番だと言います。しかし、「着物の何を残すべきなのかと考えた時に、世界中で日本にしかないその色彩や柄を残すべきだと思ったんです」。そこで着物そのものの形にはこだわらず、日本の四季を表現した柄や、天然の染料が生み出す繊細な色彩をドレスやバッグに生かしているのです。
    着物を洋服に作りなおしている店は他にもありますが、和裁の手法で仕上げているのがほとんどだと村上さんは見ています。和裁では平面的に生地を裁断するので、洋服の形に仕立てても体型に合った魅力的な仕上がりにはなりません。万インターナショナルでは幅30センチと洋服用の生地よりも狭い着物地を立体的に裁断することにこだわっています。細かく柄合わせをし、魅力的な商品として新しい価値を生み出そうとしています。
    ドレスに仕立てる場合、基本的にはオーダーメイドで値段は16万円からと安くはありません。しかし「着物の柄は昔のものでも流行遅れになったりはしません。一度作ってもらえれば次の世代に自慢できるものになるはず」と村上さんは自信を持っています。
    着物離れが進んでしまった理由の一つに、着物を着る機会がないということもあります。そこで村上さんは月に4~5回、着付けサロンを開催しています。参加者は着付けを習った後、着物を着て六本木近くの店で食事を楽しむことができます。英語での対応も可能なため、口コミで外国人のお客も少しずつ増えてきました。
    万インターナショナルの「万」は数が多いことを表す文字です。村上さんはこの文字に、着物を生み出した自然と人の八百万の力(多くの力)への感謝を込めました。しっとりと肌になじむ絹で織られた着物地にふれれば、そうした多くの力によって生まれた着物の魅力を感じることができるでしょう。
    万インターナショナル
    文:市村雅代

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  • 歌で日本の心を海外に伝えたい

    [From July Issue 2014]

    TAKEI Ryoko
    President of Foster Japanese Songs
    Using the western scale, nursery rhymes and school songs produced in the Meiji period (1868-1912) represent a unique Japanese world view. This makes them the perfect tool to promote the beauty of Japan to the rest of the world. This was the reasoning of TAKEI Ryoko, when she took on the role of president of Foster Japanese Songs (FJS).
    Takei has been studying singing while at the same time pursuing her academic and professional career. In 2006, she went over to America to get her MBA. While studying at Columbia University, she brushed up her vocal skills by attending a master course as an auditing student at the Juilliard School.
    Returning to Japan in 2008, she thought about what she could do for her country, and it occurred to her that she could be active in disseminating Japanese songs to other countries. “In attempting this, I could make the best use of my knowledge of business management and marketing skills, as well as my singing skills. I thought I was the only person who possessed both of these qualifications. And this above all, made me excited,” said Takei.
    Before getting started, Takei gave some consideration to how she would capture people’s interest. Takei says: “Japanese melodies, such as school songs, nursery rhymes and classic artistic melodies use the western scale, so they are approachable for non-Japanese listeners. Nevertheless, they express unique Japanese views of the world. If we make an analogy with sushi, for example, California rolls are an original dish made using Japanese techniques. So I thought I would start non-Japanese listeners off with California rolls and then have them move on to norimaki (rolled sushi wrapped in sheets of dried seaweed), namely, the world of Noh plays and so forth.
    So FJS was established in 2012, under the slogan of “Transforming Japanese soul songs into global classics.” She keeps herself active and is a member of Nikikai, an organization for vocalists, and sings as soprano on the side.
    In the middle of this March, FJS held its first overseas performance at a U.N. event in New York. “I assured the members that everything would be alright, but I was actually very nervous,” says Takei, explaining how she felt before the concert.
    After the performance, however, some non-Japanese people were found to have shed a tear. The concert attracted the attention of foreign media and she felt that things had gone rather well. “The next day we gave a concert at a recital hall and I was really happy to see that some of the people who had attended the previous day’s event came with their friends to listen to our songs again,” says Takei.
    Takei prioritizes conveying the meaning of the Japanese lyrics. During a performance, she took some time to explain the environment in which the songs were created. Using phonetic transcripts, she got everyone to join in a rendition of “Furusato” (Hometown). She also translates lyrics, but she does this very carefully. “I want to retain an academic appearance. Depending on how you translate it, you can end up with something resembling inferior California rolls. I always take time to make sure that my translation fully reflects the meaning of the original.”
    These days, even in Japan, there are fewer opportunities to enjoy nursery rhymes and school songs. “Japanese songs account for only 10% of the songs found in junior high school music textbooks,” says Takei. She plans to hold the same performance in Tokyo that she did in New York and, in addition, to actively continue her efforts at home. Takei says that FJS’s goal is to have famous opera singers such as Plácido Domingo sing Japanese songs in Japanese on their European tours.
    Foster Japanese Songs
    Text: ICHIMURA Masayo[2014年7月号掲載記事]

    フォスター・ジャパニーズ・ソングス代表
    武井涼子さん
    明治時代(1868~1912年)に生まれた童謡や唱歌は西洋の音階を使いつつ日本オリジナルの世界観を表現しています。それゆえ海外に日本の良さをアピールする格好の道具になるのではないか。そう考えたのは現在フォスター・ジャパニーズ・ソングス(FJS)の代表を務める武井涼子さんです。
    武井さんは勉強や仕事と並行してずっと声楽を勉強してきました。2006年にはMBA取得のためアメリカに渡りました。コロンビア大学で勉強に励みながら、ジュリアード音楽院マスターコースの聴講生として歌声に磨きをかけました。
    2008年に帰国して、日本のために何かできないかと考えたときに浮かんだのが日本の歌を世界に広めるという活動でした。「この試みなら私の経営やマーケティングの知識と歌の技術も生かせます。その両方をできるのは自分以外にはいないとも思いました。何よりも自分自身がわくわくすることだったんです」と武井さんは話します。
    武井さんは活動を始めるにあたり、まず相手の土俵に乗せられるものをと考えました。「唱歌や童謡、芸術歌曲の『日本歌曲』は西洋の音階を使っているので海外の方になじみやすいです。一方で、日本独自の世界観を表現しています。お寿司でいうと日本の技術を使いながらオリジナルのものに仕上げたカリフォルニアロールですね。まずはカリフォルニアロールに挑戦してもらってから海苔巻である能などの世界に進んでいってもらえればと思ったんです」。
    そうして「日本人の心の歌を世界のクラシックへ」を合言葉にFJSは2012年に設立されました。自身も声楽家の団体、二期会に所属し、仕事を別に持ちながらソプラノ歌手として本格的に活動しています。
    FJSは今年3月中旬、ニューヨークの国連イベントで初めての海外公演を行いました。「大丈夫、絶対うまくいくからとメンバーには言っていましたが、実はものすごく不安でした」と武井さんは公演前の心境を語ります。
    しかし公演を終えてみると涙する外国人の姿があり、各国のメディアからも注目され手ごたえは十分にありました。「翌日はリサイタルホールでもコンサートを行ったのですが、前日いらした方たちが知り合いを連れて再度歌を聞きに来てくださったのは本当にうれしかったです」。
    武井さんは日本語の歌詞の意味を伝えることを一番大事にしています。公演では曲が作られた背景の説明にも時間を割きました。発音記号を使って全員が日本語で「ふるさと」を歌うというシーンもありました。歌詞の翻訳も行っていますが、そこは慎重です。「アカデミックな面を保ちたいんです。訳次第では粗悪なカリフォルニアロールにもなりかねません。時間をかけてきちんと元の意味が生きる翻訳を心がけています」。
    現在、日本でも童謡や唱歌にふれる機会は減っています。「中学の音楽の教科書に載っている曲のうち日本歌曲は10%なんです」。ニューヨークでの公演と同じ内容のものを東京でも行い、国内での活動も積極的に行っていく予定です。「プラシド・ドミンゴなどの有名なオペラ歌手のヨーロッパツアーで日本歌曲が日本語で歌われるようになること」。FJSのゴールを武井さんはそう話します。
    フォスター・ジャパニーズ・ソングス
    文:市村雅代

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  • とんぼりリバークルーズ

    [From July Issue 2014]

    This popular cruise plots a course under the nine bridges that span the Dotonbori River in Osaka. From the boat you can look up at the area’s iconic neon signs. During the approximately 20 minutes’ time spent on board, it is also pleasurable to listen to the crew make light banter in their unique Osaka accents (in Japanese). Because it is permitted to bring food and drinks onboard, many people bring along takoyaki and drinks sold around the boarding area.
    Boarding reception: five minutes’ walk from Namba Station (Midosuji Subway Line / Sennichimae Subway Line)
    Boarding dock: Tazaemon-bashi Bridge Wharf
    Price: 700 yen for adults (junior high students and over)
    Cruise schedule
    Weekdays: 1pm – 9pm
    Weekends/holidays/high season: 11am – 9pm
    Departs every 00 and 30 minutes past the hour. 5pm and 5:30pm Services suspended on weekdays.
    (Service subject to suspension due to weather conditions, oceanographic phenomena, tide levels)
    Tombori River Cruise[2014年7月号掲載記事]

    大阪の道頓堀川にかかる9つの橋の下を運航する人気のクルーズ。代表的な繁華街のネオンサインを、船から見上げることができる。乗船する約20分間の間、ガイドクルーから大阪ならではの軽快なトーク(日本語)が聞けるのも楽しい。船内は飲食の持ち込みが許されているので、出航場所近くで販売されているたこ焼きや、飲料を持ち込む人も多い。
    乗船受付:地下鉄御堂筋線・千日前線なんば駅から徒歩5分乗船場:太左衛門橋船着場
    料金:大人(中学生以上)700円
    運航スケジュール:
    平日:午後1時~午後9時まで
    土日、休日、繁忙日:午前11時~午後9時まで
    毎時00分、30分出航
    平日の午後5時便と午後5時半便は運休
    (気象、海象、潮位などにより運休となる場合あり)
    とんぼりリバークルーズ

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  • カレーハウスCoCo壱番屋

    [From July Issue 2014]

    In business since 1978, this restaurant specializes in curry rice. They have over 1,200 restaurants nationwide and over 100 restaurants abroad. You can choose how spicy you want your curry to be and how much rice to have. Moreover, since you are free to choose from the 40 topping varieties, you can make your own original curry to suit your own tastes.

    [No. 1] Pork Cutlet Curry 700 yen (721 yen in some areas)

    This generously sized crisp pork loin cutlet is an outstanding match with the curry sauce.
    201407-6-2

    [No. 2] Vegetable Curry 648 yen (669 yen in some areas)

    Traditional Japanese-style curry with plenty of vegetables, including, potatoes, carrots and onions.
    201407-6-3

    [No. 3] Beef Curry 597 yen

    The popular full-bodied beef sauce is carefully cooked for a full flavor. But it can be altered to become a hashed beef curry.
    201407-6-4
    Price includes tax.
    CURRY HOUSE CoCo Ichibanya[2014年7月号掲載記事]

    1978年から続くカレーライス専門店。日本全国に1,200店以上、海外には100店以上ある。カレーの辛さやライスの量が選べる。さらに約40種類あるトッピングを自由に選べるため、自分好みのオリジナルカレーにできる。

    【No.1】ロースカツカレー 700円(一部の地域では721円)

    サクサクのロースカツはボリュームたっぷりで、カレーソースとの相性は抜群。

    【No.2】やさいカレー 648円(一部の地域では669円)

    ジャガイモ、ニンジン、タマネギなどの野菜がたっぷり入った、日本式カレーの定番。

    【No.1】ビーフカレー 597円

    じっくり煮込んだコクのあるビーフソース。ハッシュドビーフにも変更可能。

    価格は税込。
    カレーハウスCoCo壱番屋

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  • 風船を飛ばし宇宙を撮影

    [From July Issue 2014]

    Floating a camera from a balloon and photographing the Earth from far up in the stratosphere. It sounds like a fairy tale, but by using a unique method IWAYA Keisuke, from Sapporo City, Hokkaido, made this a reality. Since the first launch in 2011, he has launched 30 balloons so far. As a result of continuous additional improvements, the camera attached to the balloon can now reach heights of more than 40,000 meters.
    “In fact, not many images taken from these heights had, up until now, been shot. It’s not an altitude at which it’s normally possible to take photographs; rockets are further away from earth.” His so called balloon photographic method is unusual and on top of this, his photographs are unique. Because of this, Iwaya’s space photography is attracting interest from different directions.
    When he was child, Iwaya admired Dr. BROWN who invented the time machine in the movie “Back to the Future.” “I wanted to become an inventor. But as I progressed through junior school and high school I became more aware of reality and gave up on becoming an inventor,” he laughs. After that, he moved on to study at the mechanical engineering department of a university, which was where he heard the news about an American student who had successfully taken photographs from a balloon.
    “I want to try it myself!” he immediately thought, but the details of the method used were not disclosed. So he assembled his materials for around 5,000 yen and tackled the problem using his own original design and method. So he could be sure to gather data, a string was connected to the first unit launched. Although the altitude was low at a mere 100 meters, he discovered many things about the effects of wind on the photographic image and about battery consumption.
    After that, he analyzed the data for each launch adding numerous improvements. Currently, he launches his camera packed in Styrofoam with a large helium-filled balloon of one to two meters in diameter. It weighs approximately 250 grams. Because atmospheric pressure falls as the balloon rises, the balloon explodes and falls when it reaches approximately 30,000 meters in altitude.
    As the camera falls to the ground, Iwaya is extremely careful about not injuring anyone. He attaches a speed reduction device and calculates that the camera returns to the earth at a speed of 15 kilometers per hour or slower. Because it is floating, depending on the way the wind blows, the camera is equipped with GPS so that the location of the fallen camera can be discovered. A buzzer goes off when it hits the ground, so that it can be found even if it happens to land in tall grass.
    There have been occasions when he was unable to collect his camera. On other occasions, 10,000 photographs have been taken but only one decent photo produced. However, Iwaya says, “These are no ‘failures.’” He explains that even if he cannot collect the camera or take photographs, he discovers something new at each launch and these findings can be useful for the next launch.
    There were some people who regarded Iwaya’s dream to photograph space from a balloon as being impossible to realize. Iwaya says, “Taking photographs from space with a balloon has taught me that dreams can come true if I continue without giving up.” Iwaya’s next dream is to photograph the deep sea.
    *Data presented in this article is as of April 18, 2014.
    Balloon Space Photography
    Text: ICHIMURA Masayo[2014年7月号掲載記事]

    風船でカメラを飛ばして、はるか上空から地球の姿を撮影する。まるで童話のような話ですが、北海道札幌市に住む岩谷圭介さんはそれを独自の方法で実現させました。2011年に打ち上げを開始し、これまでに30機を打ち上げています。改良を加え続けた結果、風船に取り付けたカメラは4万メートルを超える高さにまで達するようになりました。
    「実はこれくらいの高さからの映像はこれまであまり撮られていないんです。普通に撮影できる高度ではないし、ロケットからだともっと地球から離れてしまいますからね」。風船という変わった撮影方法に加えてこの映像の珍しさもあり、岩谷さんが撮影した宇宙の写真は様々な方面から関心を集めています。
    岩谷さんは子どものころ、映画「バック・トゥ・ザ・フューチャー」でタイムマシンを発明したブラウン博士にあこがれていました。「発明家になりたかったんですよ。でも中学高校と進むうちに現実を知るようになって発明家はあきらめました」と笑います。その後大学の工学部機械科へ進み、アメリカの学生が風船で宇宙撮影に成功したというニュースを知ります。
    「自分もやってみたい!」とすぐに思いましたが、詳しい方法は公表されていませんでした。そこで5千円程度で材料を集めオリジナルの形と方法で挑戦してみたのです。データを確実に回収できるように、記念すべき1号機はひもをつけて飛ばしました。高度は100メートルと低かったものの、風が撮影画像におよぼす影響、バッテリーの消費状況など、多くのことがわかりました。
    その後、打ち上げるたびにデータを検証し数々の改良を加えていきました。現在は直径1~2メートルの大きな風船にヘリウムガスを入れ、発泡スチロールで包んだカメラを打ち上げています。重量は約250グラム程度です。上昇するにしたがって気圧が下がるので、上空3万メートルほどになると風船が自然に破裂し、落下します。
    落下してきたカメラで人がけがをしないようにすること、というのは岩谷さんが一番気をつけているところです。減速装置を付け、地上へは時速15キロメートル以下で戻ってくるように計算しています。風まかせの飛行なので、落下場所がわかるようにGPSも搭載しています。落下するとブザーが鳴るようになっているので、万が一草深い場所に埋もれてしまっても探し出せるようになっています。
    これまでの打ち上げではカメラを回収できないこともありました。1万枚撮影してまともな写真が1枚しかなかったこともありました。しかし岩谷さんは「『失敗』はないんです」と言います。たとえ回収や撮影ができなくても打ち上げるたびに新しい発見があり、それを次回の打ち上げに生かせるから、とその理由を話します。
    風船で宇宙を撮影するという岩谷さんの夢に対して、実現できるわけがないという見方をする人もいました。岩谷さんは「めげずに続けていれば夢はかなうものなのだということをこの風船での宇宙撮影から教えてもらいました」と言います。岩谷さんの次の夢は深海の撮影です。
    ※文中のデータはすべて2014年4月18日現在のものです。
    風船宇宙撮影
    文:市村雅代

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  • 1年間で扱う荷物を積み上げると月まで届く

    [From July Issue 2014]

    Kuroneko Yamato no TA-Q-BIN
    With just four trucks, Yamato Transport Co., Ltd, was founded in 1919 in Ginza, Tokyo as a company specializing in making deliveries by automobile. It’s well known for its tagline “Kuroneko Yamato no TA-Q-BIN (Black Cat Yamato Courier Service). The logo of a black cat with a kitten in its mouth can be seen all over Japan. The word “TA-Q-BIN (takkyuubin)” (express home delivery) is widely known, but, as it’s a registered trademark, can be only used by Yamato Transport.
    In 1976, Yamato Transport founded a private company; Japan’s first home delivery service to target private individuals. That service was named TA-Q-BIN. Until the first half of the 1970s, Japan’s transport companies dealt mostly with business freight. It took as many as four to five days to deliver private parcels. That’s why the then President OGURA Masao put together a service for “collection by phone call” and “next day delivery.”
    Before he started the courier service, Ogura worried about how many branches he should open. In the end he used the number of police stations across the nation – then 1,200 – as a guideline. He thought, “The role of the police is to ensure public order in the area. With the same number of branches, Yamato should available to every resident in the area.” Today they have around 4,000 branches.
    The idea of a courier service quickly caught on and many people signed up to use it. Today Yamato Transport handles around 1.6 billion parcels a year. If the same number of standard-sized tangerine boxes (30 centimeters tall) were placed on top of one another, the stack would be high enough to reach the moon.
    Once the ease and convenience of their courier service became well known, many within the company began to suggest that they offer other services besides to door to door delivery. That’s how the “ski courier service” got underway in 1983. It was originally the idea of an employee in Nagano Prefecture, who wanted to do something to boost the number of parcels after the severe drop in custom following the end of the apple season.
    One winter’s day, he was looking at a national highway and noticed a bus carrying a lot of skies on board. This sight got the employee thinking, “If we transport them, our customers will be freed up to enjoy their skiing trip. This will supply us with a new cargo to replace the apples.” In this way, the first business to couple a courier service with the leisure industry was launched and quickly caught on nationwide.
    Since then, Yamato Transport has been at the forefront of developing new user-friendly services; these have sprung up one after the other, for example, “golf TA-Q-BIN,” “cool TA-Q-BIN” and “airport TA-Q-BIN.” They have also strived to contribute to society, for example, after the Great East Japan Earthquake a “Relief Supply Transport Cooperation Team” was set up in the hardest hit prefectures of Iwate, Miyagi and Fukushima.
    Yamato Transport Co., Ltd.
    Text: ITO Koichi[2014年7月号掲載記事]

    クロネコヤマトの宅急便
    ヤマト運輸株式会社は1919年、東京・銀座で4台のトラックを保有する自動車輸送専門会社として誕生しました。ヤマト運輸といえば「クロネコヤマトの宅急便」というキャッチコピーが有名です。黒い母猫が子猫をくわえているマークは日本のあちこちで見られます。「宅急便」という言葉は広く知られていますが、登録商標なのでヤマト運輸にしか使えません。
    ヤマト運輸は1976年、民間企業として初めて、個人向けの宅配事業を始めました。そのサービスの名前が宅急便です。1970年代前半まで、日本の運送業は企業の貨物の輸送が中心でした。個人の荷物輸送は4~5日もかかっていました。そこで、当時の社長小倉昌男さんは「電話一本で集荷」「翌日配達」というサービスの仕組みをつくり上げました。
    小倉さんは宅急便のサービスを始めるとき、全国に営業所をいくつつくればよいのか思い悩みました。その結果、当時の日本全国の警察署の数である1,200を参考にしました。「警察は地域の治安を守るのが役目。ヤマトの営業所も同じ数があれば、そこに住む一人ひとりに役立つはず」と考えたのです。現在の営業所は約4,000ヵ所あります。
    宅急便のアイディアとサービスはすぐに評判となり、多くの人が利用するようになりました。ヤマト運輸が現在1年間に扱う宅急便の荷物は約16億個です。一般的なサイズのミカン箱(高さ30センチ)を同じ数だけ積み上げると、月まで届いてしまう高さになります。
    宅急便の手軽さや便利さが知られるようになると、単なる宅配だけではなく、他のサービスを付け加えることはできないだろうかという声が社内で高まりました。こうして1983年に始まったのが「スキー宅急便」です。もともとは、リンゴのシーズンが過ぎると極端に落ち込む荷物量を何とかして増やしたいと考えた長野県の社員のアイディアでした。
    冬のある日、国道を見ると、スキー板をたくさん積んだバスが走っていました。その光景を見た社員は「あれを運べばお客様に手ぶらでスキーを楽しんでいただける。リンゴに代わる新しい荷物にもなる」と考えました。こうして、宅急便とレジャーを結び付けたサービスの第一弾が動き始め、たちまち全国に広がりました。
    ヤマト運輸はその後も「ゴルフ宅急便」「クール宅急便」「空港宅急便」など、利用者にとって便利な新しいサービスを業界に先駆けて次々に開発。また、東日本大震災時には、大きな被害を受けた岩手、宮城、福島の各県に「救援物資輸送協力隊」を置いて救援物資の輸送にあたるなど、社会貢献活動にも力を注いでいます。
    ヤマト運輸株式会社
    文:伊藤公一

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  • 日本語学習で自分自身が成長

    [From July Issue 2014]

    TRAN Minh Hoang
    In the fall of 2013, at the “13th IM Japan Writing Contest” – a contest organized by the International Manpower Development Organization, Japan (a.k.a. IM Japan) – “The Color of My Life,” an essay by Vietnamese national TRAN Minh Hoang, won first prize. Many people were touched by Hoang’s ability to write beautiful Japanese and by his idea of expressing his feelings about life up until that time in colors.
    Through a Technical Internship Program that was set up by the Japanese government, IM Japan accepts numerous highly skilled interns sent by the governments of Vietnam, Thailand and Indonesia. Taking advantage of this scheme, Hoang came to Japan in June 2011 with 12 colleagues. He’s now receiving technical training at MHI Ship & Ocean Engineering Co., Ltd. (a.k.a. MSK) in Nagasaki City, Nagasaki Prefecture.
    Located at the Nagasaki shipyard of Mitsubishi Heavy Industries, Ltd., MSK engineers and manufactures tankers, container ships, cruise ships, and more. Trainees like Hoang learn manufacturing skills like welding.
    Hoang says, “The Japanese language is difficult, especially honorific expressions.” MSK encourages trainees like him to study by providing them with two Japanese lessons a week and advising them to take the Japanese Language Proficiency Test.
    By responding to the company’s expectations that he take an interest in Japanese and throw himself into his studies, Hoang has been seriously applying himself, sparing no effort. He has thus far managed to pass the notoriously difficult N2 grade (second highest qualification) Japanese Language Proficiency Test.
    Before reaching that level, he drew strength from the encouragement of older colleagues. They not only guide trainees at work, but also take an interest in their health and daily lives. Hoang says of his group leader KANAZAWA Akira and manager UEDA Yosuke, “They are like real family.” At times they seriously reprimand him, telling him that “Alcohol and smoking are bad for you.”
    Hoang will soon finish his three years of training and return home to Vietnam. “I’ll be glad to see my family back home, but I’ll be sad to say goodbye to the folks at MSK,” he says. After returning home, he wants to build on the language and professional skills he acquired in Japan and work towards building ties between Japan and Vietnam. His dream is to someday return to Japan and open a Vietnamese restaurant in Nagasaki.
    In “The Colors of my Life,” Hoang writes, “From now on, I don’t know what colors my life will be painted in, nor do I have any idea of what kind of painting it will be in the end, but I’m learning to enjoy my growing maturity through the study of the Japanese language. Why don’t you try learning a foreign language yourself? You’ll certainly encounter a new you.”

    Text: KOMIYAMA Ranko[2014年7月号掲載記事]

    チャン・ミン・ホアンさん
    2013年秋、公益社団法人国際人材育成機構(通称:アイム・ジャパン)が主催する「第13回アイム・ジャパン作文コンクール」で、ベトナム人、チャン・ミン・ホアンさんの作品「私の人生の色」が最優秀賞に選ばれました。美しい日本語で書いたホアンさんの実力と、これまで生きてきて感じたことを色で表していくという発想は、たくさんの人に感動を与えました。
    アイム・ジャパンは、日本政府が創設した「技能実習制度」に基づき、ベトナム・タイ・インドネシア政府から直接派遣される優秀な技能実習生を数多く受け入れています。ホアンさんはこの制度を活用し、2011年6月、12人の仲間とともに来日。現在、長崎県長崎市にあるMHI船海エンジニアリング株式会社(略称:MSK)で技能実習を受けています。
    MSKは、三菱重工業株式会社長崎造船所でつくられるタンカーやコンテナ船、クルーズ船といった船舶の設計や製造を行っている会社です。ホアンさんたち技能実習生は、ここで溶接などの製造技術を学んでいます。
    ホアンさんは、「日本語は難しいですね。特に敬語が難しいです」と言います。MSKは週2回日本語教師に指導させたり、「日本語能力試験を受けよう」と呼びかけたりして、学習する実習生たちを応援しています。
    日本語に興味を持ち、生き生きと学んでほしいという会社の期待に応えるように、ホアンさんは真剣に取り組み、努力を重ねてきました。そして、難関といわれる日本語能力試験N2に合格したのです。
    そこに至るまで、社内の先輩たちからの励ましが大きな力を与えてくれました。仕事の指導だけでなく、実習生の健康や生活のことも気遣ってくれます。ときには「お酒やたばこはだめだよ」と真剣に叱ってくれるグループ長の金沢昌さんや主任の上田陽助さんのことを、ホアンさんは「本当の家族のようです」と話します。
    ホアンさんは、まもなく3年間の実習期間を終え、ベトナムに帰国する予定です。「母国の家族に会えるのは嬉しいけれど、MSKの皆さんと別れるのは寂しいです」と言います。帰国後は、日本で身に着けた語学や技能を活かし、日本とベトナムのかけ橋として活躍したいと思っています。そしていつか再び来日し、長崎でベトナム料理のお店を開くというのがホアンさんの夢です。
    ホアンさんは「私の人生の色」の中で、「これからの私の人生がどんな色で描かれ、どんな絵が完成するかまだわかりませんが、私は日本語を通して自分自身が成長する楽しさを学んでいます。皆さんも外国語を勉強してみませんか。きっと新しい自分と出会えると思います」と綴っています。

    文:小宮山蘭子

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  • バレリーナを目指す少女の成長物語

    [From July Issue 2014]

    SWAN
    In recent years, it’s not all that unusual for Japanese people to win international ballet competitions or to join famous overseas ballet companies. But this was still a distant dream in 1976, when the serialization of “Swan” began in the women’s comic magazine “Weekly Margaret.”
    Fifteen-year-old HIJIRI Masumi travels to Tokyo from Hokkaido to watch Alexei SERGEIEV and Maria PRISETSKAYA, famous ballet dancers from the former Soviet Union (now Russia), perform in Japan. Unexpectedly the road towards becoming a ballerina opens up, when, deeply moved by the performance, Masumi unintentionally ballet dances in front of the two.
    Because of this accidental encounter, Masumi is lucky enough to get lessons with Alexei, the star dancer of the Bolshoi Ballet troupe. There, her slumbering talent is revealed as is a problem that she must surmount. Through a severe regime and battles with her rivals, Masumi rapidly improves.
    Many real personalities and ballet companies appear in these comics. Also, the meaning of each pose and technique is written about in detail. Since it contains explanations and interpretations of ballets, it is also an introduction to ballet for those who know nothing about the subject.
    In addition, it portrays the protagonist’s love affairs – an indispensible part of the woman’s comic genre. Though her first crush is for KUSAKABE Sho, she falls deeply in love with Luci, who she meets in America. Her suffering from lost love and struggle to choose between love and the ballet, stirred the sympathies of readers.
    After studying abroad in the U.K. and acquiring modern ballet skills in the U.S., Masumi becomes a top dancer. Then, she manages to be reunited with her former mentor Sergeiev and it is decided that she will be cast in the same role as one of Sergeiev’s students. One day, Masumi discovers an unexpected truth. With a wavering heart, the challenge to start life as a ballerina begins.
    A 12 volume collector’s edition of this work was published in 2007. In response to demands from fans, the Moscow sequel was also published. The serialization of “Maia Swan act II,” featuring Masumi’s daughter Maia as the protagonist, continues to this day. Inherited by the next generation, the story continues even though 30 years have passed since the series began. From now on, after seeing the heroine appear on the world stage, more and more girls might aim to become ballerinas.
    Text: KAWARATANI Tokiko[2014年7月号掲載記事]

    SWAN-白鳥
    近年、日本人が国際バレエコンクールに入賞したり、海外の有名バレエ団に所属したりすることが、珍しいことではなくなってきています。1976年、女性マンガ誌「週刊マーガレット」に「SWAN-白鳥」の連載が始まった頃、それはまだ遠い夢の時代でした。
    15歳の聖真澄は、ソビエト(現在のロシア)の有名なバレリーナ、アレクセイ・セルゲイエフと、マイヤ・プリセツカヤの日本公演を見に、北海道から上京します。公演に感動した真澄が、思わず二人の前でバレエを踊ってしまったことから、バレリーナを目指す道が開かれることになります。
    ボリショイ・バレエ団の花形ソリスト、アレクセイとの偶然の出会いから、真澄は個人レッスンを受けるという幸運に恵まれます。そこで眠っていた才能を見いだされますが、克服しなければならない課題も突きつけられます。厳しい指導とライバル達との戦いで、真澄はぐんぐんと上達していきます。
    このまんがには、実在の人物やバレエ団が多く登場します。またそれぞれのポーズの意味や、テクニックが詳しく書かれています。バレエ作品の解説や、解釈にもふれているので、バレエを知らない人にとっての入門書のような役割も果たしています。
    また女性まんがには欠かせない主人公の恋も描かれています。憧れの存在だった有名ダンサー、草壁飛翔への初恋、そして、アメリカで出会ったルシィとは深く愛し合います。1人の女性として失恋に苦しんだり、恋愛とバレエの道との選択に悩んだりする姿は、読者の熱い共感を得ました。
    イギリス留学やアメリカでのモダンバレエの習得などを経て、真澄はトップダンサーになります。そしてかつての恩師セルゲイエフとの再会を果たし、セルゲイエフの教え子とWキャストで競演が決まります。そんなある日、真澄は思いがけない事実を知ることになります。心が揺れ動くなか、バレリーナ生命を賭けた挑戦が始まります。
    この作品は、2007年に愛蔵版が12巻まで発行されました。ファンの要望から、この物語の続きとしてモスクワ編も発行されています。真澄の娘、まいあを主人公とした「まいあ Maia SWAN actⅡ」の連載は、現在も続いています。連載開始から30年以上経った今も、次世代に受け継がれた物語が続いているのです。世界を舞台に活躍する新ヒロインに憧れてバレリーナを目指す少女が、これからも出てくるかもしれません。
    文:瓦谷登貴子

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